Βασικές αισθητικές κατηγορίες. Ιστορία της αισθητικής σκέψης

Ήδη από την εξέταση του θέματος της αισθητικής, γίνεται σαφές ότι τα γεγονότα της κοινωνικής ζωής δεν εξαιρούνται από το πεδίο των ενδιαφερόντων της. Αλλά η ίδια η δημιουργική διαδικασία του καλλιτέχνη, του δημιουργού της τέχνης, παρ' όλη την οικειότητα, την ατομικότητα και τον παραλογισμό της (το τελευταίο είναι συχνά υπερβολικό και χρησιμεύει ως δικαιολογία για ένα τεμπέλικο μυαλό που δεν θέλει να πραγματοποιήσει μια περίπλοκη ανάλυση της δημιουργικής δραστηριότητας και κρύβεται πίσω από το «ανεξήγητο μυστικό της δημιουργικότητας» ως καθολική εξήγηση) δεν λαμβάνει χώρα έξω από την κοινωνία. Οι σχέσεις καλλιτέχνη και κοινωνίας είναι αμφίδρομες. Η κοινωνία και ο πολιτισμός διαμορφώνουν την προσωπικότητα του καλλιτέχνη. Ακόμη και για να αρνηθείς την υπάρχουσα κοινωνία, τον πολιτισμό, τη θρησκεία, πρέπει πρώτα να κοινωνικοποιηθείς σε αυτήν την κοινωνία. Ενώσεις καλλιτεχνών, σχολές τέχνης, πολύπλοκες διασυνδέσεις μεταξύ του καλλιτέχνη και των θαυμαστών και των αντιπάλων του υποδηλώνουν ήδη ότι η ύπαρξη ενός καλλιτέχνη και τα έργα τέχνης περιλαμβάνουν αναπόφευκτα ένα κοινωνικό στοιχείο. Οι θεατές σε ένα θέατρο ή μουσείο συνήθως σχηματίζουν μια κοινωνική ομάδα (αν και εφήμερη, που διαλύεται γρήγορα) με ορισμένες σχέσεις μεταξύ των μελών της.

Εμφάνιση κοινωνιολογία της τέχνης ως πειθαρχία που προέκυψε στη διασταύρωση της αισθητικής, της ιστορίας της τέχνης και της κοινωνιολογίας, ήταν συνέπεια της σημασίας της κοινωνικής λειτουργίας της τέχνης. Ένας από τους ιδρυτές της κοινωνιολογικής ανάλυσης της τέχνης ήταν ο I. Teng, εκπρόσωπος της φιλοσοφίας του θετικισμού, ο οποίος πίστευε ότι η τέχνη εκφράζει αυτό που ήδη υπάρχει στην κοινωνία. Τα χαρακτηριστικά του έργου καθορίζονται από τρεις παράγοντες - τη φυλή, το περιβάλλον και τα χαρακτηριστικά της εποχής.

Η κοινωνία μπορεί να επηρεάσει τον καλλιτέχνη άμεσα και έμμεσα, ρητά και ανεπαίσθητα, λανθάνοντα. Για να αναλυθούν οι κοινωνικές λειτουργίες της τέχνης, χρειάζονται βασικές έννοιες.

Συγγραφέας- ένα θέμα ή (σπανιότερα) μια ομάδα που δημιουργεί ένα έργο τέχνης. Οι περιπτώσεις ομαδικής συγγραφής είναι πιο δύσκολο να αναλυθούν και μερικές φορές είναι εντελώς λάθος να μιλάμε για μια τέτοια ομάδα συγγραφέων ως ενιαίο συλλογικό συγγραφέα. Ωστόσο, η ατομική συγγραφή δεν αποκλείει την κρυφή συν-συγγραφή, καθώς και την επιρροή στον συγγραφέα από άλλα πρόσωπα ή κοινωνικές δυνάμεις. Σε ορισμένες περιπτώσεις, η συγγραφή παραμένει ανώνυμη ή εικαστική. Σε πολλές περιπτώσεις, είναι απαραίτητο να αποκατασταθεί η συγγραφή αναλύοντας το ύφος ενός αναγνωρίσιμου συγγραφέα ή απλώς κρίνοντας την ακεραιότητα του έργου. Έτσι, το «Ρέκβιεμ» του W. A. ​​Mozart δεν γράφτηκε πλήρως από τον ίδιο προσωπικά, αλλά, σύμφωνα με τους περισσότερους μουσικολόγους, η ολοκλήρωση της ιδέας από τους μαθητές του συνθέτη αποδείχθηκε αρκετά οργανική, αν και σε ορισμένα σημεία το μουσικό κείμενο θα μπορούσε να είναι περισσότερο πρωτότυπο.

Ορισμένοι κλασικοί της αισθητικής σκέψης (G. G. Shpet) πιστεύουν ότι η ολοκλήρωση ενός έργου σημαίνει τη στιγμή του «θανάτου του συγγραφέα» (R. Barth), όταν το έργο διαχωρίζεται από τον «ομφάλιο λώρο» που το συνέδεε με τον καλλιτέχνη. και αρχίζει η ανεξάρτητη ύπαρξη. Κατά συνέπεια, στην αντίληψη ή την αισθητική ανάλυση, δεν είναι μόνο άχρηστο, αλλά και επιβλαβές, να εμπλέκονται πληροφορίες σχετικά με την προσωπικότητα του συγγραφέα, αφού η ανάλυση του κειμένου αντικαθίσταται (μερικές φορές ανεπαίσθητα) από την ανάλυση της βιογραφίας με την κατασκευή ενίοτε αυθαίρετων παραλληλισμών μεταξύ της προσωπικής ζωής και των χαρακτηριστικών της δημιουργικότητας.

Η εσωτερική διαδικασία της δημιουργικότητας του συγγραφέα συνεπάγεται τέτοιες έννοιες όπως ιδέα, σχέδιο, στάδια και μέθοδοι υλοποίησης σχέδιο (περίγραμμα, προσχέδια κ.λπ.). Αυτός είναι σε μεγάλο βαθμό ένας τομέας έρευνας στην ψυχολογία της τέχνης και της δημιουργικότητας, καθώς και σε διάφορους τομείς της ιστορίας της τέχνης.

παραλήπτηςείναι αυτός που αντιλαμβάνεται το έργο. Ο αποδέκτης μπορεί να είναι ατομικός, συλλογικός (ορισμένες διαδικασίες αντίληψης προχωρούν με τον ίδιο τρόπο σε μια ομάδα αποδεκτών και οι ίδιοι οι αποδέκτες επηρεάζουν ο ένας τον άλλον), άμεσος ή απομακρυσμένος (συμπεριλαμβανομένου του φανταστικού), μοντέλου (ιδανικός). Αν κατανοήσουμε ένα έργο ως μήνυμα, μήνυμα, τότε είναι πιο σωστό να καλέσουμε τον παραλήπτη αποδέκτης.

Καταναλωτής- η λέξη μπορεί να χρησιμοποιηθεί απλώς ως συνώνυμο του «παραλήπτη» ή ως προσδιορισμός ενός θέματος ή μιας ομάδας για την οποία ένα έργο τέχνης δρα αποκλειστικά ή κυρίως ως καταναλωτικό προϊόν, το οποίο συνδέεται με την απόκτηση και την ικανοποίηση αναγκών. Σε αυτή την περίπτωση, ο όρος έχει αρνητική σημασία.

Ο πελάτης είναι ένα άτομο, μια ομάδα που καθορίζει τη φύση του προτεινόμενου έργου και ενθαρρύνει τον συγγραφέα να το δημιουργήσει. Μια εντολή μπορεί να είναι ρητή ή σιωπηρή, άμεση ή έμμεση, συνοδευόμενη από υλική ανταμοιβή ή να μην υπονοεί κάτι τέτοιο. Σε περίπτωση αναγκαστικής παραγγελίας, η ποιότητα των έργων συχνά μειώνεται λόγω της δράσης ψυχολογικών μηχανισμών. Υπάρχουν επίσης περιπτώσεις εσκεμμένης εκδίκησης για μια αναγκαστική παραγγελία, για παράδειγμα, με τη μορφή σκόπιμων ασαφειών που είναι αόρατες στον πελάτη, διάφορα χαρακτηριστικά κινούμενων σχεδίων και καρικατούρες κ.λπ.

Κοινωνική τάξη - τάξη λόγω της τρέχουσας κοινωνικής κατάστασης. Ένας μεμονωμένος πελάτης ή οργανισμός σε αυτή την περίπτωση ενεργεί ως εκπρόσωπος των συμφερόντων και των συναισθημάτων της κοινωνίας ή των ομάδων της. Η κοινωνική τάξη μπορεί να είναι ανώνυμη - σε αυτή την περίπτωση, ο συγγραφέας πιστεύει ότι η δημιουργία κάποιου έργου σε αυτή την κατάσταση είναι κατάλληλη ή και ευεργετική.

Δέσμευση - σύλληψη, ο ενθουσιασμός του συγγραφέα για σκέψεις που βρίσκονται στον ένα ή τον άλλο βαθμό έξω από τη σφαίρα της ίδιας της τέχνης. Συχνότερα μιλούν για κοινωνική δέσμευση, αλλά μπορεί να είναι διαφορετική. Για παράδειγμα, ένας συγγραφέας, αφοσιωμένος στους στόχους της ηθικοποίησης ή της εκπαίδευσης, δημιουργεί αντίστοιχα έργα, καλλιτεχνικά τις περισσότερες φορές αδύναμα. Ωστόσο, η ενασχόληση από μόνη της δεν συνεπάγεται απαραιτήτως μείωση της καλλιτεχνικής ποιότητας.

Σκηνοθεσία - ένα σύνολο συγγραφέων και των έργων τους, ενωμένοι με τη μέθοδο και τον χρόνο δημιουργίας, εποχή. Μερικές φορές προστίθεται ένας περιορισμός στον τόπο, την περιοχή (χώρα, ήπειρο). Αυτή η έννοια λειτουργεί την κοινωνιολογία της τέχνης και την ιστορία της τέχνης, καθώς και την έννοια.

Ένα σχολείο που διαφέρει από μια κατεύθυνση σε μικρό αριθμό, συμπαγή και προσανατολισμό στο μοντέλο - τα έργα και τις οδηγίες του δασκάλου που ενεργεί ως επικεφαλής του σχολείου.

Η μίμηση και ο επιγονισμός συνεπάγονται την έλλειψη ανεξαρτησίας της ιδέας ή της εκτέλεσής της (ή και των δύο). Η μίμηση είναι ένας ουδέτερος όρος (καθώς το γεγονός και μόνο της μίμησης δεν είναι απαραίτητα κακό), ο επιγονισμός υποδηλώνει μια αρνητική στάση. Η αντιγραφή πρέπει να διακρίνεται από τη μίμηση (μπορεί να είναι μια τεχνική αναπαραγωγής, για παράδειγμα, τυπογραφική ή να χρησιμοποιείται για εγκληματικούς σκοπούς, συνέπεια της αδυναμίας να δημιουργήσει ανεξάρτητα, μια ειδική τεχνική (φωτορεαλισμός)). Το αντικείμενο της μίμησης και του επιγονισμού δεν είναι ένας συγκεκριμένος συγγραφέας, αλλά το γενικό «πνεύμα της εποχής», το ύφος μιας συγκεκριμένης σχολής κ.λπ.

Καλλιτεχνία - δίνοντας διάφορα φαινόμενα της καθημερινής ζωής καλλιτεχνικές μορφές, «μετατρέποντας τη ζωή σε τέχνη». Συχνότερα, η δημόσια ζωή υφίσταται τέχνη, αλλά ένας τέτοιος μετασχηματισμός μπορεί επίσης να συνδεθεί με την ατομική ιδιωτική ζωή ενός ατόμου· σε αυτήν την περίπτωση, κατά κανόνα, ένας μικρός κύκλος συγγενών ενεργεί ως θεατές. Μια τέτοια μετατροπή της ζωής σε καλλιτεχνική πράξη γίνεται σε ένα τραγικό ή, αντίθετα, κωμικό κλειδί κ.λπ. Μερικές φορές η τέχνη είναι μια προστατευτική, αντισταθμιστική μορφή συμπεριφοράς και μπορεί επίσης να υποδηλώνει προσωπική ανωριμότητα. Συχνά, η τέχνη συνδέεται με τη θεατρικότητα, την ψυχαγωγία. Είναι εγγενές σε ορισμένες εποχές (ροκοκό, σύγχρονη εποχή στο γύρισμα του 19ου-20ου αιώνα), και είναι επίσης ένα από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα της μαζικής κουλτούρας και αισθητικής της καταναλωτικής κοινωνίας.

Οι δραστηριότητες RK, PR συνήθως στοχεύουν τόσο στη δική του προσωπικότητα όσο και στα δικά του έργα σε ένα ανταγωνιστικό περιβάλλον. Το PR στην τέχνη είναι μια φυσική συνέχεια των τεχνικών που υπήρχαν μεταξύ των καλλιτεχνών όλων των εποχών. Συχνά, τα σκάνδαλα και οι εσκεμμένες προκλήσεις από τους ίδιους τους καλλιτέχνες αποδεικνύονται μέσο δημοσίων σχέσεων. «... Η κυκλοφορία των βιβλίων, εφοδιασμένη με «τυφώνα «ή» ολική», όπως λένε τώρα, δημόσιες σχέσεις, αυξάνεται αλματωδώς και η κυκλοφορία βιβλίων, που στερείται τέτοιας υποστήριξης, πλησιάζει ραγδαία τα μηδενικά επίπεδα. "

Η τέχνη έχει παίξει εδώ και καιρό ρόλο στη νομική και πολιτική σφαίρα. Έτσι λοιπόν, ο κωμικός Αριστοφάνης θεωρείται ένας από τους υπαίτιους του θανάτου του Σωκράτη, αφού η κωμωδία του «Σύννεφα» αποδείχθηκε καταγγελία του φιλοσόφου, ευθεία κατηγορία ασέβειας προς τους θεούς. Σύμφωνα με τον μύθο, ο Σοφοκλής απέδειξε τη δικαιοπρακτική του ικανότητα στο δικαστήριο διαβάζοντας μια τραγωδία που μόλις είχε ολοκληρωθεί. Στην πολιτική σφαίρα, η τέχνη όχι μόνο είναι σταθερά περιζήτητη, αλλά χρησιμοποιείται για αμοιβαία αποκλειστικούς σκοπούς: μια συγγνώμη για ορισμένες πολιτικές δυνάμεις, τις κρατικές αξίες και την κριτική άλλων. Για το σκοπό αυτό, χρησιμοποιούνται τα πιο κατάλληλα είδη για την επίτευξή του, για παράδειγμα, μια αφίσα. Είναι γνωστό πώς η Αγγλία πλημμύρισε με καρικατούρες των γεγονότων της Γαλλικής Επανάστασης και του Ναπολέοντα Βοναπάρτη, και η ίδια η Γαλλία - του Λουδοβίκου Φιλίππου, του βασιλιά των αχλαδιών. Στην πτώση της μοναρχίας του Λουδοβίκου Φιλίπ, έπαιξε ρόλο μια τέτοια συστηματική απαξίωση του ατόμου. Ο Άγγλος James Gillray δημιούργησε μια ολόκληρη σειρά από καρικατούρες των γεγονότων της Γαλλικής Επανάστασης. Από αυτά, τα πιο διάσημα ήταν το "Supper in the Sansculottes after a Day's Labor" (ένας τέτοιος ειδυλλιακός τίτλος υποδήλωνε ένα σκόπιμα νατουραλιστικό δείπνο μιας οικογένειας κανίβαλων) και μια γελοιογραφία με σαρκαστικό τίτλο "Religion, justice, legality and all the illusions των αφώτιστων μυαλών - αντίο!», καθώς και καυστικά σχέδια που απεικονίζουν τη σταδιοδρομία του Ναπολέοντα από την περίοδο του Directory. Σε μια εποχή που χρειάζεται κοινωνική εξυγίανση, η τέχνη παίζει πολύ σημαντικό ρόλο στην υλοποίηση αυτού του καθήκοντος.

Παρά την ύπαρξη τέτοιων μοντέλων καλλιτεχνικής δημιουργίας που αντιπροσωπεύουν τον καλλιτέχνη ως απομονωμένο δημιουργό, είναι σαφές ότι η προσωπικότητα του καλλιτέχνη δεν μπορεί να διαχωριστεί πλήρως από την τέχνη. Θεωρητικός που απομακρύνει τον καλλιτέχνη «στον πύργο από Ελεφαντόδοντο«Ο συγγραφέας G. Flaubert άφησε στα μυθιστορήματά του («Education of the Senses», «Madame Bovary», «Buvard and Pécuche») ασυνήθιστα κατατοπιστικές εικόνες της σύγχρονης κοινωνίας του, δηλώνοντας, φυσικά, την καθαρά προσωπική του στάση απέναντί ​​του (και αυτή η στάση ήταν σκεπτικισμός, που μετατράπηκε σε βαθιά αηδία και μισανθρωπία).

Όπως ήδη αναφέρθηκε εν μέρει παραπάνω, θα πρέπει κανείς να απέχει από δύο άκρα - την πλήρη απομόνωση του καλλιτέχνη ή αποδέκτη της τέχνης από τις κοινωνικές σχέσεις και την κοινωνική κατάσταση, αφενός, και τον χυδαίο κοινωνιολογισμό, αφετέρου, που προβλέπει ότι η τέχνη δεν είναι τίποτα. κάτι περισσότερο από ένα απλό φερέφωνο της κοινωνίας, μέσω του οποίου δηλώνει δυνατά προβλήματα και ανάγκες.

Ακόμα κι αν η προσωπικότητα ενός ανθρώπου χρωματίζεται από μη κομφορμισμό, απόδραση (απόδραση από την κοινωνία), κοινωνική αδιαφορία και πλήξη, φέρει ίχνη κοινωνικής ζωής. Επιπλέον, όλα όσα είναι απαραίτητα για τη δημιουργικότητα και την κατανόηση του έργου λήφθηκαν μέσω κοινωνικών καναλιών. Μπορείτε να κάνετε ένα απλό πείραμα σκέψης. Ας πάρουμε ένα έργο τέχνης (πραγματικό ή φανταστικό από εμάς) και ας το παρουσιάσουμε στην προσοχή του κοινού σε διαφορετικές εποχές και σε διαφορετικές κοινωνικές περιόδους. Αναπόφευκτα θα δούμε διαφορετικές ερμηνείες αυτού του έργου, διαφορετικούς τύπους συναισθηματικής αντίληψης και διαφορετικές εκτιμήσεις. Ο γνωστός αφορισμός «όταν τα όπλα βουίζουν, οι μούσες σιωπούν» απλώς μιλά για διάφορες κοινωνικές καταστάσεις που ευνοούν τη δημιουργικότητα ή το αντίθετο.

Μετά την ολοκλήρωση της εργασίας πάνω σε ένα έργο, ο καλλιτέχνης το παρουσιάζει στο κοινό (ακόμα κι αν πρόκειται για έναν πολύ περιορισμένο κύκλο γνώσεων, την ελίτ)1. Η αισθητική αξιολόγηση θα διαμορφωθεί όχι μόνο υπό την επίδραση του αθροίσματος καθαρά προσωπικών παραγόντων (από τους οποίους αποτελείται το κοινό, είτε είναι ομοιογενές είτε όχι, είτε είναι προετοιμασμένο για την υποδοχή του έργου), αλλά και από την κοινωνική κατάσταση. Όταν ο Γάλλος ποιητής, ένας από τους θεμελιωτές του γαλλικού ρομαντισμού, ο A. de Lamartine, ο οποίος ήταν επίσης γνωστός ως πολιτική προσωπικότητα, φώναξαν από το πλήθος «Φτάνει πια η λύρα», δεν υπήρχε αξιολόγηση του έργου του ποιητή στο αυστηρή έννοια της λέξης, αλλά μια δήλωση σχετικά με τη συνάφειά της σε τεταμένες κοινωνικές καταστάσεις. Ομοίως, η αντίληψη της καρικατούρας, γενικά της σάτιρας, καθορίζεται όχι μόνο από το θέμα της εικόνας, αλλά και από την κατάσταση στην οποία δημοσιεύτηκε αυτό το έργο. Έτσι, τα «Γράμματα ενός υφασματοποιού», άλλα σατιρικά έργα του J. Swift γίνονται αντιληπτά από εμάς όχι τόσο έντονα όσο τη στιγμή της δημοσίευσης. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τα "Ταξίδια του Λέμουελ Γκιούλιβερ" - τώρα αυτή η καταστροφική σάτιρα για τα ιδανικά της κουλτούρας του Διαφωτισμού δεν γίνεται αντιληπτή από τους περισσότερους αναγνώστες με τόσο επίκαιρο και πολεμικό τρόπο (και πολλοί δεν γνωρίζουν καν για τους αληθινούς στόχους του γράφοντας το βιβλίο).

Σε σχέση με τα έργα τέχνης, η κοινωνία κάνει μια κοινωνική επιλογή, η οποία μπορεί συχνά να παρακινηθεί όχι από τα πλεονεκτήματα του έργου, αλλά από τις ιδιαιτερότητες της κατάστασης, τη δέσμευση. Σε αυτή την περίπτωση, η τέχνη, πρώτον, πραγματοποιεί τις λειτουργίες της, ενώνοντας ανθρώπους με παρόμοιες κοινωνικές διαθέσεις και, δεύτερον, χρησιμεύει ως εξαιρετικός και ακριβής δείκτης της κατάστασης της κοινωνίας.

Δημιουργείται μια αμοιβαία σχέση μεταξύ της τέχνης και της κοινωνίας. Από τα προηγούμενα, μπορούμε να συμπεράνουμε ότι αν η τέχνη δεν καθορίζεται από την κοινωνία, τότε βρίσκεται στο κύμα της αξιολόγησής της. Αλλά δεν είναι. Η τέχνη διαμορφώνει το κοινό γούστο, τη δημόσια ζήτηση και, τέλος, τα δημόσια ήθη.

Ωστόσο, δεν γίνονται όλα τα έργα ιδιοκτησία ολόκληρης της κοινωνίας. Οι λόγοι για αυτό είναι ποικίλοι. Κάποιοι απορρίπτονται από την κοινωνία λόγω αντικειμενικής αποτυχίας. Η κοινωνία μπορεί να μην είναι έτοιμη να κατανοήσει και να αποδεχτεί μερικούς ανθρώπους. Άλλα παραμένουν ελάχιστα γνωστά λόγω τυχαίων περιστάσεων. Τέλος, υπάρχει η ελιτίστικη τέχνη, που αρχικά προϋποθέτει ως αποδέκτη μια περιορισμένη κοινωνική ομάδα. Ωστόσο, μια τέτοια τέχνη έχει επίσης τη δυνατότητα να επηρεάσει την κοινωνία. Από όσα ειπώθηκαν, είναι σαφές ότι η τέχνη και η κοινωνία ενώνονται με συστημικές σχέσεις.

Κάθε κοινωνική περίοδος χαρακτηρίζεται από γενικές αισθητικές και καθαρά καλλιτεχνικές προτιμήσεις. Συνήθως, οι μάζες του κοινού είναι αρκετά συντηρητικές στις προτιμήσεις τους, κάτι που γεννά δραματικές καταστάσεις απόρριψης του καινούργιου απλώς και μόνο επειδή είναι νέο. Ωστόσο, οι κοινωνικές προτιμήσεις πρέπει να διακρίνονται από τη μόδα. Η μόδα συνεπάγεται μια θετική (σπάνια αρνητική) αισθητική αξιολόγηση που βασίζεται στη μίμηση των άλλων. Ταυτόχρονα, με τη θέληση της μοίρας, τόσο οι πολύ άξιοι καλλιτέχνες όσο και τα γνήσια αριστουργήματα μπορούν να γίνουν αντικείμενο μοντέρνων χόμπι.

Η ασυμφωνία ανάμεσα στην κοινωνία και τον καλλιτέχνη μπορεί να προκαλέσει συγκρούσεις. Μια ακραία δραματική μορφή είναι η σύγκρουση μεταξύ ιδιοφυΐας και κοινωνίας, αλλά στη θέση μιας ιδιοφυΐας μπορεί να βρίσκεται οποιοσδήποτε καλλιτέχνης, του οποίου το ταλέντο δεν εκφράζεται σε επίπεδο ιδιοφυΐας. Συχνά ένας καλλιτέχνης χρειάζεται να περιμένει την έναρξη της «εποχής του», της πολιτιστικής του περιόδου, για την οποία η ζωή του μπορεί να μην είναι αρκετή. Το θέμα της καθυστερημένης μεταθανάτιας αναγνώρισης είναι ένα από τα πιο συχνά στην παγκόσμια λογοτεχνία.

Η εξάρτηση των κοινωνικο-αισθητικών προτιμήσεων από μια συγκεκριμένη περίοδο, η κατάσταση της κοινωνίας σε αυτήν την περίοδο πολλαπλασιάζεται με την εσωτερική ετερογένεια της κοινωνίας. Όσο πιο διαφορετικές και πολυάριθμες κοινωνικές ομάδες και στρώματα, τόσο πιο απομονωμένα είναι μεταξύ τους, τόσο περισσότερο διαφέρουν τα γούστα, η αισθητική κουλτούρα και οι αισθητικές προτιμήσεις των ανθρώπων. Η κατάσταση της «διασποράς», ο κατακερματισμός των αισθητικών γούστων της κοινωνίας έφτασε στο μέγιστο τον 20ό αιώνα. (βλ. κεφ. 5).

Ο ρομαντισμός είναι μια τάση στην τέχνη και τον πολιτισμό του τέλους του 18ου - 19ου αιώνα, που διατήρησε κάποια επιρροή στο πρώτο μισό του 20ού αιώνα. Βασίζεται σε μια ιδεολογική απόκλιση από τα ιδανικά του ορθολογισμού. Όχι ο λόγος, αλλά ακριβώς η ποιητική έμπνευση, η αισθητική εμπειρία, μια εσωτερική παράλογη παρόρμηση θέλησης και συναισθήματος - αυτή, από τη σκοπιά των ρομαντικών, είναι η κύρια δύναμη της ανθρώπινης δημιουργικότητας και της κατανόησης της ουσίας της ύπαρξης. Από αυτή την άποψη, ο ρομαντισμός ξεχωρίζει την τέχνη ως την κύρια ενεργό σφαίρα του πολιτισμού και την υψηλότερη εκδήλωση του ανθρώπινου πνεύματος. Η τέχνη δεν θεωρείται μόνο στον αποκλειστικό της ρόλο - είναι επίσης ένα είδος μυστικισμού στην κοσμοθεωρία του ρομαντισμού, ικανό να αποκαλύψει το αληθινό, παράλογο υπόβαθρο της ύπαρξης και μια δελεαστική μορφή πραγματικής φιλοσοφίας («Η τέχνη είναι το αληθινό όργανο της φιλοσοφίας », διακηρύσσει ο F. Schelling, εννοώντας ένα παράδειγμα της λογικής της σκέψης που μπορεί να δώσει η καλλιτεχνική σκέψη στο φιλοσοφούμενο μυαλό). Και μεταξύ των τεχνών του ρομαντισμού, διακρίνονται η μουσική και η ποίηση, οι εκφραστικές δυνατότητες των οποίων είναι πιο χαρακτηριστικές του πάθους των συναισθηματικών κινήσεων και της βουλητικής δυναμικής.
Και η τέχνη ανταποκρίθηκε στην εποχική ιστορική κλήση, που προκλήθηκε από ρομαντικές ιδέες, με πραγματικά σπουδαία επιτεύγματα: είναι κάτω από το κατεξοχήν πρόσημο του ρομαντισμού, φαίνεται, ότι ο 19ος αιώνας έγινε ο αιώνας της τέχνης. Η ρομαντική τέχνη στο σύνολό της χαρακτηρίζεται από την απόρριψη της τυπικά σωστής, λογικά ισορροπημένης αντανάκλασης της πραγματικότητας και τη συναρπαστική αποκάλυψη του κόσμου των συναισθημάτων, των φαντασιώσεων, των πνευματικών παρορμήσεων. Ο ρομαντισμός χαρακτηρίζεται από μεγάλη προσοχή στον εσωτερικό κόσμο ενός ατόμου, στον κόσμο των εξαιρετικών εμπειριών και της ασυνήθιστης μοίρας του. Είναι το άτομο που γίνεται πρώτα από όλα αντικείμενο κατανόησης στην τέχνη. Εξ ου και ο ιδιαίτερος ρόλος μιας ασυνήθιστης προσωπικότητας - δημιουργού, ποιητή, καλλιτέχνη. Είναι ακριβώς ένας τέτοιος άνθρωπος που θα πρέπει να σηκώσει το πέπλο της μυστικότητας για τον άνθρωπο και τον κόσμο, για να έρθει πιο κοντά στην αλήθεια, η οποία δεν είναι κατανοητή και δεν μπορεί να εκφραστεί διαφορετικά. Τα νέα κριτήρια στην τέχνη ήταν η ελευθερία έκφρασης, η αυξημένη προσοχή στο άτομο, τα μοναδικά χαρακτηριστικά ενός ατόμου, η φυσικότητα, η ειλικρίνεια και η χαλαρότητα, που αντικατέστησαν τη μίμηση κλασικών μοντέλων χαρακτηριστικών του 18ου αιώνα.
Ένα από τα αγαπημένα θέματα της ρομαντικής τέχνης είναι ένας εξαιρετικός άνθρωπος και η πνευματική του σύγκρουση με το πλήθος, με την κοινωνία των κατοίκων, που δεν μπορεί να κατανοήσει τις υψηλές φιλοδοξίες του ανθρώπινου πνεύματος. Και στη θεωρία της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, ο ρομαντισμός επικεντρώνεται στην εικόνα μιας λαμπρής δημιουργικής προσωπικότητας, στο θαύμα της ανθρώπινης ιδιοφυΐας.
Πηγή έμπνευσης για τους ρομαντικούς ήταν ο Μεσαίωνας, φυσικά, εξιδανικευμένος - στο πνεύμα του ευγενούς ιπποτισμού και της θρησκευτικής αγιότητας. Το πεδίο αυξημένου ενδιαφέροντος των ρομαντικών είναι η λαϊκή καλλιτεχνική παράδοση, η λαογραφία. Αυτή την περίοδο πραγματοποιείται επεξεργασία λαϊκών παραμυθιών, δημοτική μουσική, σχηματοποίηση λαογραφίας. Αυτή την εποχή δημιουργήθηκαν πρωτότυπα εθνικά σχολεία τέχνης στις περισσότερες ευρωπαϊκές χώρες.
Η πρωτότυπη και με μεγάλη επιρροή ιδέα της ρομαντικής τέχνης είναι η ιδέα μιας ολοκληρωμένης καλλιτεχνικής σύνθεσης, επιπλέον, μιας σύνθεσης του αισθητικού-μυστικιστικού.
Στην ποίηση και τη λογοτεχνία, ο ρομαντισμός αντιπροσωπεύεται από τα έργα των ποιητών Novalis, των αδελφών A. και F. Schlegel, E. Hoffmann, W. Tieck, C. Byron, W. Wordsworth, S. Coleridge, W. Blake, W. Στη Ρωσία, τους μιμούνται οι V. Zhukovsky, K. Ryleev, A. Pushkin στο πρώιμο έργο του, ο M. Lermontov δημιουργεί την αρχική εικόνα του ρωσικού ποιητικού ρομαντισμού.
Μία από τις κορυφαίες μορφές τέχνης του ρομαντισμού ήταν η μουσική. κατάφερε να εκφράσει τις πιο βαθιές και ταραγμένες ρομαντικές εμπειρίες - από λεπτούς στίχους μέχρι υψηλούς ηρωισμούς και το βρασμό της «παγκόσμιας θέλησης». Στη μουσική, ο ρομαντισμός ήταν το μεγαλύτερο ρεύμα σε όλο τον 19ο αιώνα. Τα αριστουργήματά του συνδέονται με τα ονόματα των L. Beethoven, F. Schubert, R. Schumann, F. Liszt, F. Chopin, G. Berlioz, R. Wagner, I. Brahms και στη Ρωσία - M. Glinka, P. Τσαϊκόφσκι και άλλοι.
Σωστά σημειώνεται ότι ο υποκειμενισμός στην απεικόνιση του τοπίου έρχεται στην τέχνη μόνο με το έργο των ρομαντικών, προοιωνίζοντας τη λυρική αποκάλυψη της φύσης από τους δασκάλους του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Οι ρομαντικοί αγαπούν επίσης το είδος πορτρέτου, το οποίο μας επιτρέπει να αντικατοπτρίζουμε την εκκεντρικότητα της προσωπικότητας του ήρωα και τις εμπειρίες του. Στη γερμανική ζωγραφική, οι ιδέες του ρομαντισμού αντικατοπτρίστηκαν ξεκάθαρα στο έργο καλλιτεχνών όπως οι O. Runge, K. D. Friedrich. Στη Γαλλία, ο T. Gericault και ο E. Delacroix δημιουργούν αυτή την εποχή, το έργο του οποίου χαρακτηρίζεται από έναν αξιολύπητο χαρακτήρα, νευρικό ενθουσιασμό, έλξη σε εξωτικά μοτίβα, σε ιστορικά και λογοτεχνικά θέματα, σε ό,τι μπορεί να οδηγήσει μακριά από το «μυδρό καθημερινή ζωή." Στην Ρωσία ρομαντικές τάσειςεκδηλώθηκαν στο έργο του προσωπογράφου O. Kiprensky, του τοπιογράφου K. Aivazovsky, του δεξιοτέχνη του ιστορικού είδους K. Bryullov.
Οι ιδεολογικοί εκφραστές της ρομαντικής κοσμοθεωρίας ήταν στοχαστικοί ποιητές και προικισμένοι λογοτεχνικοί φιλόσοφοι.
Novalis (Friedrich von Hardenburg) (1772 - 1801) - Γερμανός ποιητής - φυσικός φιλόσοφος, μέρος του κύκλου των πρώιμων ρομαντικών. Ο Novalis προσπάθησε για μια αισθητική σύνθεση όλης της φυσικής-φιλοσοφικής γνώσης στην ευρύτερη βάση - την ανάπτυξη μιας ολοκληρωμένης επιστημονικής εικόνας του κόσμου, της συμβολικής του γλώσσας. Το κύριο πράγμα στη σύνθεση της γνώσης είναι η ιδέα μιας ενιαίας κοσμοθεωρίας και, διεισδύοντας σε όλα, η αρχή της μαγικής μεταμόρφωσης, η ενότητα όλων ιστορικές εποχές, η ενότητα της ιστορίας και του μύθου, τα παραμύθια και τα ήταν, η πραγματικότητα και τα όνειρα. Όλα αυτά πρέπει να συνθέτουν ένα αισθητικό σύνολο. Κύρια αισθητικά κείμενα: Γύρη, Χριστιανικός κόσμος ή Ευρώπη.
Friedrich Wilhelm Schelling (1774 - 1854) - εκπρόσωπος της γερμανικής κλασικής φιλοσοφίας. Η αισθητική του F. Schelling διαμορφώθηκε υπό την επίδραση του ρομαντισμού. Ο F. Schelling πίστευε ότι η τέχνη είναι ανώτερη από τη φιλοσοφία, αφού απευθύνεται σε έναν ολόκληρο άνθρωπο και είναι σε θέση να αναδημιουργήσει οργανικά αυτή την ακεραιότητα. Απαραίτητη προϋπόθεση και πρωταρχικό υλικό τέχνης είναι η μυθολογία. Ο F. Schelling προσπαθεί να οικοδομήσει ένα σύστημα αισθητικών εννοιών, λαμβάνοντας υπόψη την ιστορική εξέλιξη της τέχνης. Η υψηλή αποστολή της τέχνης αντιστοιχεί στη φιλοσοφία της τέχνης, η οποία στην αισθητική θεωρία του F. Schelling λειτουργεί ως όργανο της φιλοσοφίας καθαυτή και της ολοκλήρωσής της. Το κύριο έργο του Σέλινγκ για την αισθητική είναι η Φιλοσοφία της Τέχνης.
Άρθουρ Σοπενχάουερ(1788 - 1860) - Γερμανός ανορθολογιστής φιλόσοφος, στην πραγματικότητα, γειτονεύει με τον γαλαξία των εκπροσώπων της κλασικής Γερμανική φιλοσοφία. Εξέφρασε ζωηρά τις ιδέες του ρομαντισμού σε φιλοσοφική γλώσσα, επηρεάζοντας το έργο του Φ. Νίτσε, και στη Ρωσία -έμμεσα- τον Β. Σολόβιοφ. Η ουσία της ύπαρξης, σύμφωνα με τον A. Schopenhauer, είναι η «παγκόσμια θέληση» - εσωτερική ενέργειαπάλλεται στην καρδιά εύθραυστων πραγμάτων και λογικά καθορισμένων αναπαραστάσεων του νου. Θέληση - αυτό είναι το «πράγμα από μόνο του», που κάποτε ξεχώρισε ο I. Kant, αλλά, σύμφωνα με τον A. Schopenhauer, δεν είναι ήδη κρυμμένο από την ανθρώπινη συνείδηση, αλλά του ανοίγεται στις δικές του εσωτερικές-βουλητικές εκδηλώσεις - μια αντικειμενική βούληση, άμεσα διαθέσιμο στη βούληση του υποκειμένου. Η βούληση ως αποκάλυψη του εσωτερικού στοιχείου της πραγματικότητας βρίσκεται κάτω από την αισθητική κατανόηση του όντος, φυσικά, που ξεπερνά την ορθολογική-λογική. Η τέχνη είναι πρώτα απ' όλα η σφαίρα εκδήλωσης της θέλησης και το ανώτατο όργανο πνευματικής κατανόησης της ύπαρξης. Η μουσική είναι ιδιαίτερα διεισδυτική από αυτή την άποψη, γιατί ασχολείται με τους ίδιους τους παλμούς της θέλησης - τις διεγέρσεις και τις ηρεμίες της, οδηγώντας μόνο έμμεσα μερικές φορές σε εικονιστικές παραστάσεις. Η μουσική, ως η ανώτερη των τεχνών, είναι μια άμεση αντανάκλαση της ανθρώπινης θέλησης και μια εκδήλωση της θέλησης του κόσμου.
Η τέχνη, σύμφωνα με τον Α. Σοπενχάουερ, είναι προϊόν της δραστηριότητας μιας ιδιοφυΐας ικανής να συγχωνεύσει κρυφά τη δημιουργική του θέληση με τη θέληση του κόσμου. Στοχαστικός, δηλ. Η «λαμπρή» κατανόηση ενός αντικειμένου είναι μια διαχρονική και εξωχωρική γνώση μιας ανώτερης μορφής (ιδέας). Ο Σοπενχάουερ αντιπαραβάλλει τους «άνθρωπους της ιδιοφυΐας» με τους πρακτικά προσανατολισμένους «άνθρωπους της χρησιμότητας», θέτοντας έτσι τα θεμέλια για όλες τις μετέπειτα έννοιες του ελιτισμού της αισθητικής δημιουργικότητας και της τέχνης. Το κύριο έργο του Α. Σοπενχάουερ είναι «Ο κόσμος ως βούληση και παράσταση».
Soren Kierkegaard (1813 - 1855) - Δανός θεολόγος, φιλόσοφος και συγγραφέας, κοντά στους ρομαντικούς, ένα είδος προκατόχου του υπαρξισμού του 20ού αιώνα. Η σκέψη και η προσωπικότητα του S. Kierkegaard χαρακτηρίζονται από μια σύγκρουση αντιθετικών, ασυμβίβαστων αρχών και στάσεων ζωής. Εξ ου και η χαρακτηριστική αγάπη του S. Kierkegaard για το παράδοξο, η επιθυμία να τονίσει το ασυμβίβαστο των διαφορετικών τύπων κοσμοθεωριών. Ο κύριος ορισμός του ατόμου σύμφωνα με τον S. Kierkegaard δεν είναι ο νους, αλλά η ύπαρξη (ύπαρξη), και μόνο αυτή η σκέψη που προέρχεται από την ύπαρξη και τρέφεται από αυτήν μπορεί να είναι αληθινή. Με αυτό σχετίζεται και ο σε βάθος αυτοστοχασμός που ενυπάρχει στην αισθητική του S. Kierkegaard, ο οποίος διερευνά τις τραγικές αντιφάσεις της ψυχής και τη σύνθετη σχέση της με τον έξω κόσμο. Ο S. Kierkegaard εξέφρασε τις απόψεις του σε μια σειρά από μικρά δοκίμια, μεταξύ των οποίων το «Either - or», «Fear and Trembling», «Blink of an Eye» κ.λπ.
Ο Φρίντριχ Νίτσε (1844 - 1900) μπορεί να αποδοθεί στους όψιμους ρομαντικούς. Ταυτόχρονα, είναι δίκαιο να τον αποκαλούμε πρόδρομο των ιδεών του μοντερνισμού. Πρόκειται για έναν ταλαντούχο Γερμανό ποιητή και κλασικό φιλόλογο, έναν πρωτότυπο ανορθολογιστή φιλόσοφο, του οποίου οι απόψεις διαμορφώθηκαν κάτω από κάποια επιρροή του Α. Σοπενχάουερ. Ο Φ. Νίτσε είναι ο θεμελιωτής μιας νέας φιλοσοφίας ζωής, που μετέτρεψε τη φιλοσοφική γνώση σε ένα είδος λυρισμού και ρομαντισμού. Η αισθητική αρχή κυριαρχεί τόσο πολύ στις απόψεις του Φ. Νίτσε που απορρίπτει εντελώς τις παραδοσιακές ηθικές αξίες, τη μυστικιστική διάθεση που χαρακτηρίζει τους πρώιμους ρομαντικούς. Αναπτύσσει την έννοια της θέλησης του Α. Σοπενχάουερ στη βιταλιστική έννοια της «θέλησης για ζωή». Ο Νίτσε ανέπτυξε την αρχική έννοια του «υπερανθρώπου» - ένας άνθρωπος του μέλλοντος, δημιουργικά ισχυρός και όμορφος στο σύνολο των πνευματικών και σωματικών ζωτικών δυνάμεων (με υπεροχή ζωτικών-υλικών κινήτρων και συμφερόντων), που δεν περιορίζεται από τα παραδοσιακά πρότυπα και την ηθική , γενναίος και ανελέητος στους αδύναμους, - προμηνύοντας έτσι τις αισθητικές ιδέες του μοντερνισμού. Εξερευνώντας την αρχαιότητα, ο F. Nietzsche προσδιόρισε πρόσθετες αρχές στην ανάπτυξη του πολιτισμού, τις οποίες χαρακτήρισε ως «διονυσιακές» και «απολλώνιες», αναδεικνύοντάς τις ως θεμελιώδεις κατηγορίες συστηματοποίησης και εξήγησης της πολιτισμικής πολυμορφίας. Αυτές οι δύο πλευρές, σύμφωνα με τον Φ. Νίτσε, βρήκαν εκδήλωση στην ανάπτυξη όλης της ευρωπαϊκής τέχνης.
Ο Φ. Νίτσε εξέφρασε τις ιδέες του σε έργα γραμμένα σε πρωτότυπο λογοτεχνικό ύφος, μεταξύ των οποίων τα «Εύθυμη επιστήμη», «Έτσι μίλησε ο Ζαρατούστρα», «Πέρα από το καλό και το κακό» κ.λπ.
Υπό την επίδραση των ιδεών Γερμανών ρομαντικών φιλοσόφων όπως οι F. Schelling, A. Schopenhauer και E. Hartmann, οι απόψεις του αρχικού Ρώσου συμβολιστή φιλοσόφου V.S. Solovyov. Vladimir Sergeevich Solovyov (1853 - 1900) - όχι μόνο θρησκευτικός φιλόσοφος και θεολόγος, αλλά ποιητής, δημοσιολόγος και κριτικός λογοτεχνίας. Η βάση της κοσμοθεωρίας του V. S. Solovyov είναι το δόγμα της απόλυτης πανενότητας, το οποίο αντιλαμβάνεται ως σφαίρα θεϊκής, ιδανικής, άξιας και σωστής ύπαρξης, που διαθέτει ελευθερία, πληρότητα περιεχομένου και νοήματος, μια τέλεια μορφή έκφρασης. Στις διδασκαλίες του V. S. Solovyov, η αλήθεια, η καλοσύνη και η ομορφιά δεν είναι απλώς το ένα δίπλα στο άλλο, αλλά είναι οργανικά αλληλένδετα. Το κύριο καθήκον της τέχνης είναι η δημιουργία της απόλυτης ομορφιάς - η ενσάρκωση του ιδανικού, η πνευματικοποίηση, ο μετασχηματισμός των υλικών φαινομένων, δίνοντάς τους τις ιδιότητες του αιώνιου και του αθάνατου, εγκαθιστώντας μια συμβολική σύνδεση με τη σφαίρα της ιδανικής πρώτης τάξης της Σοφίας - την Σοφία Θεού. Εδώ το αισθητικό έργο συμπίπτει με το θρησκευτικό, η καλλιτεχνική δημιουργικότητα γίνεται θεουργία και ο καλλιτέχνης γίνεται θεουργός - μυστικιστικός δημιουργός. Ο Ρώσος φιλόσοφος επιμένει σε μια «ελεύθερη σύνθεση» τέχνης και θρησκείας, στη σημασία τους για την επίτευξη μιας «τέλειας ζωής». Τα κύρια έργα του V.S. Solovyov, αντανακλώντας τα αισθητικά θέματα - "Ομορφιά στη φύση", "Το γενικό νόημα της τέχνης", "Το πρώτο βήμα προς τη θετική αισθητική".
Ο φιλοσοφικός συμβολισμός του V. Solovyov συνδέεται με τον δικό του τρόπο με τις ιδέες του ρομαντισμού. αλλά συνδέεται και με τον συμβολισμό που αναπτύχθηκε εκείνα τα χρόνια στην ποίηση και την τέχνη γενικότερα, που έγινε ένα από τα προκαταρκτικά κίνητρα για την ανάδειξη της αισθητικής του μοντερνισμού.
Όμως ο ρομαντισμός δεν είναι η μόνη σημαντική δημιουργική κατεύθυνση που καθόρισε την εμφάνιση της τέχνης και της καλλιτεχνικής κουλτούρας τον 19ο αιώνα. Μαζί με αυτό αναπτύχθηκε και ο ρεαλισμός. Λέγεται μερικές φορές ότι ο ρεαλισμός αντικατέστησε τον ρομαντισμό. Πράγματι, οι ρεαλιστικές τάσεις στην αισθητική κοσμοθεωρία και την τέχνη επέδρασαν κάπως αργότερα από τις ρομαντικές - από 30-40 περίπου χρόνια. 19ος αιώνας. Όμως όλη η επόμενη περίοδος -μέχρι τις αρχές του 20ού αιώνα- αυτές οι τάσεις συνυπήρχαν. Συχνά η μέθοδος του ρεαλισμού θεωρείται ως αντίθεση στο ρομαντικό στυλ, αλλά επιπλέον υπήρχε ένα είδος διαλογικής αλληλεπίδρασης και αμοιβαίου εμπλουτισμού αυτών των μεθόδων.
Ο ρεαλισμός είναι μια τάση στην τέχνη και την αισθητική που προβάλλει τη γνώση της πραγματικότητας, την αληθινή της αντανάκλαση ως την υψηλότερη αξία της καλλιτεχνικής δραστηριότητας. Ένα είδος φιλοσοφικού παραλληλισμού με τον καλλιτεχνικό και αισθητικό ρεαλισμό ήταν η φιλοσοφία του θετικισμού που αναπτύχθηκε τον 19ο αιώνα. Σύμφωνα με τις ιδέες της, η υψηλότερη μορφή συνείδησης είναι η επιστήμη, εστιασμένη στη θετική γνώση που βασίζεται σε γεγονότα. Ιδανικά, αρχές και μοντέλα επιστημονική γνώσημεταφέρθηκε από τους θετικιστές στην κοινωνική και ανθρωπιστική σφαίρα (O. Comte, E. Durkheim) και στη μελέτη της τέχνης (I. Ten). Με τη σειρά τους, οι ιδεολόγοι του ρεαλισμού παρουσιάζουν το ιδανικό της επιστημονικής γνώσης ως το ιδανικό της τέχνης, βλέποντας στην τέχνη πρόσθετες ευκαιρίες για την κατανόηση της αλήθειας της ζωής. Βλέπουν ευθέως τον στόχο της τέχνης στη γνώση, άρα ουσιαστικά δεν τη διακρίνουν με κανέναν τρόπο από τους στόχους της επιστήμης. Η καλλιτεχνική γνώση της αλήθειας της ζωής είναι μια άμεση συνέχεια της αλήθειας της επιστημονικής θεωρίας. Έτσι, ο Ρώσος κριτικός λογοτεχνίας της δεκαετίας του 30-40 του 19ου αιώνα V. G. Belinsky σημείωσε ότι η επιστήμη αναγνωρίζει τη ζωή σε έννοιες, ενώ η τέχνη - σε καλλιτεχνικές εικόνες. Η ιδιαιτερότητα της τέχνης βρίσκεται μόνο στις μορφές της γνώσης: επιδιώκει να αντανακλά τη ζωή, σύμφωνα με τον N.G. Chernyshevsky, στις μορφές της ίδιας της ζωής. Ταυτόχρονα, η γνωστική γενίκευση, η τυποποίηση με βάση τα γεγονότα της πραγματικότητας και μερικές φορές η υπερβολικά ενδελεχής αντιστοιχία με τα γεγονότα είναι τα διακριτικά γνωρίσματα της τέχνης του ρεαλισμού.
Σημαντική επίδραση στη διαμόρφωση της αισθητικής του ρεαλισμού είχαν και οι επαναστατικές κοινωνικοπολιτικές θεωρίες εκείνης της εποχής. Μία από τις βασικές του ιδέες είναι η ιδέα της κοινωνικά μεταμορφωτικής αποστολής της τέχνης. Η τέχνη δεν πρέπει να κλειστεί σε έναν ρομαντικό «πύργο από ελεφαντόδοντο», να αφοσιωθεί στην εγγενή τελειοποίηση των αισθητικών επιπτώσεων ενός φανταστικού κόσμου, αλλά να υπηρετεί την κοινωνία, να συμμετέχει στον κοινωνικό αγώνα, να είναι κριτικά ηλεκτρισμένη, επαναστατική σκέψη. Καλλιτεχνική αλήθεια σημαίνει επίσης ηθική αλήθεια, την οποία στερείται η κοινωνία. η τέχνη καλείται να οδηγήσει ενεργά μεταμορφωτικά σε αυτήν. Αυτή η εμπλοκή της τέχνης στην κοινωνική ζωή είναι μια σημαντική πτυχή της αλήθειας της ζωής, προς την επίτευξη της οποίας προσανατολίζεται η ρομαντική τέχνη.
Έτσι, ο ρεαλισμός στην τέχνη σημαίνει μια αληθινή, αντικειμενική, περιεκτική αντανάκλαση της πραγματικότητας με συγκεκριμένα μέσα που είναι εγγενή σε διαφορετικούς τύπους καλλιτεχνικής δημιουργικότητας. κοινό χαρακτηριστικόμέθοδος ρεαλισμού είναι η αυθεντικότητα στην αναπαραγωγή της πραγματικότητας. Ο ρεαλισμός χαρακτηρίζεται από μια προσεκτική ανάλυση της ζωής, τη γνώση εκείνων των νόμων που κυριαρχούν ιστορικά στην κοινωνία, καθώς και από την ενεργό συμμετοχή στην ίδια την κίνηση της ζωής προς τα εμπρός, σε αυτόν τον αγώνα μεταξύ αλήθειας και αναλήθειας, που είναι το πάθος της ιστορικής εξέλιξης του ανθρωπότητα. Υπογραμμίζοντας τη γνωστική σχολαστικότητα της ρεαλιστικής μεθόδου, οι ιστορικοί τέχνης την αποκαλούν αναλυτικό ρεαλισμό. Δίνοντας έμφαση στη ζωτικά ενεργή, αποκαλυπτική θέση της ρεαλιστικής τέχνης, αυτή τη μέθοδοπεριγράφεται ως κριτικός ρεαλισμός.
Η ρεαλιστική μέθοδος εκδηλώθηκε κυρίως στη μυθοπλασία και ιδιαίτερα στο είδος του μυθιστορήματος, το οποίο είναι πιο ικανό να μεταφέρει το φορτίο κοινωνικού και ψυχολογικού περιεχομένου. Μεγάλοι ρεαλιστές συγγραφείς του 19ου αιώνα - O. de Balzac, G. Flaubert, C. Dickens, L. Tolstoy, F. Dostoevsky κ.ά.
Ένα άλλο είδος τέχνης, σαν να δημιουργήθηκε στο σύνολο των δυνατοτήτων της για έκφραση ρεαλιστικών ιδεών, είναι η ζωγραφική. Εδώ, τα κυρίαρχα είδη ρεαλισμού είναι το τοπίο, το πορτρέτο, το καθημερινό είδος. Είναι αυτοί που προτείνουν περιγραφική αλήθεια, ανοίγουν χώρο όταν αναφέρονται στην εικόνα Καθημερινή ζωήτων ανθρώπων. Το πιο εντυπωσιακό παράδειγμα ρεαλισμού στη ζωγραφική είναι το έργο των Ρώσων καλλιτεχνών «Wanderers», οι οποίοι ήταν μέλη της Ρωσικής δημοκρατικής ένωσης τέχνης, του Association of Traveling Art Exhibitions. Οι Περιπλανώμενοι ήταν πεπεισμένοι ρεαλιστές, επηρεάστηκαν από τις κοινωνικές και αισθητικές απόψεις του V. G. Belinsky και του N. G. Chernyshevsky. Σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση του δημιουργικού τους προγράμματος έπαιξε ο κριτικός τέχνης V.V. Stasov. Το πρόγραμμα της λαϊκής τέχνης που πρόβαλαν εκφραζόταν στην απεικόνιση των τυπικών όψεων και πολύπλευρων χαρακτήρων της κοινωνικής ζωής, κυρίως της ζωής των απλών ανθρώπων, συχνά με κριτική τάση. Ωστόσο, δεν δείχνουν μόνο τη φτώχεια, αλλά και την ομορφιά της λαϊκής ζωής, τις ηρωικές σελίδες της εθνικής ιστορίας (πίνακες του V. A. Surikov). Δεν είναι απολύτως σωστό, προφανώς, να αποκαλούμε τον ρεαλισμό του 19ου αιώνα σε όλες τις εκφάνσεις του κριτικό, όπως έκαναν οι κριτικοί τέχνης της σοβιετικής περιόδου. Θα ήταν πιο σωστό να το ονομάσουμε αναλυτικό ρεαλισμό - τον ρεαλισμό της αντικειμενικής γνώσης και μιας ισορροπημένης κοινωνικο-πλαισιακής αισθητικής αξιολόγησης.
Ο ρεαλιστικός προσανατολισμός της δημιουργικής μεθόδου επηρέασε σημαντικά άλλα είδη τέχνης - ποίηση, μουσική, θέατρο, στα οποία δημιουργήθηκαν πολλά αριστουργήματα αυτής της κατεύθυνσης.
Ωστόσο, ορισμένες τάσεις στην ανάπτυξη του πολιτισμού και της κοινωνίας τον 19ο αιώνα. σαν να έβγαζαν το έδαφος από τη ρεαλιστική τέχνη: αυτή είναι η εξέλιξη της φωτογραφίας, που έκανε περιττό τον κυριολεκτικό ρεαλισμό της ζωγραφικής. Είναι η ανάπτυξη της δημοσιογραφίας και του μαζικού Τύπου, ικανός να ανταποκρίνεται με μεγαλύτερη ευαισθησία στις κοινωνικές διαδικασίες, να τις αντικατοπτρίζει πιο αληθινά και ένθερμα από τις στοχαστικές και μακροσκελείς πράξεις των μυθιστοριογράφων. όχι πολύ μακριά ήταν η έλευση του κινηματογράφου. Ναι, ήταν αυτά τα στοιχεία της αναδυόμενης μαζικής κουλτούρας που οδήγησαν στην κατάρρευση και την κρίση της ρεαλιστικής τέχνης, που έδωσε τη θέση της στον φοίνικα τον 20ό αιώνα. άλλες κατευθύνσεις. Ωστόσο, τα ρεαλιστικά μοτίβα ήταν επίσης εγγενή στην ανάπτυξη της τέχνης τον 20ο αιώνα: για παράδειγμα, ο λεγόμενος «σοσιαλιστικός ρεαλισμός» - η επίσημη καλλιτεχνική μέθοδος που διακηρύχθηκε τη δεκαετία του 1930 στη Σοβιετική Ένωση, η οποία δημιούργησε όχι μόνο εικονογραφήσεις προτύπων για την πολιτικά ιδεολογήματα εκείνης της εποχής, αλλά και γνήσια ρεαλιστικά αριστουργήματα. είναι και ο νεορεαλισμός του ευρωπαϊκού κινηματογράφου της δεκαετίας του 1950.

3.ανάπτυξη αισθητικών ιδεών στη Ρωσία στα τέλη του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα.

Η ανάπτυξη της αισθητικής σκέψης στη Ρωσία τον 19ο αιώνα συνοδεύτηκε από πολλές συζητήσεις σχετικά με προβλήματα που σχετίζονται με τις λειτουργίες της τέχνης, την ουσία της, τα χαρακτηριστικά της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας και το σημαντικότερο, σε σχέση με την αξιολόγηση ενός συγκεκριμένου έργου τέχνης. Η κοινωνική σημασία της τέχνης δεν αφαιρέθηκε ποτέ από την ημερήσια διάταξη, αλλά το θεωρητικό και φιλοσοφικό υλικό που συσσωρεύτηκε εδώ και έναν σχεδόν αιώνα έχει θέσει νέα προβλήματα στους αισθητικούς. Σε μεγάλο βαθμό, αυτό καθορίζεται από τα ιδανικά και τις αξίες που, αλλάζοντας με καλειδοσκοπική ταχύτητα, διαμόρφωσαν την κοινή γνώμη της ρωσικής διανόησης. «Η αισθητική διώχθηκε τη δεκαετία του '60, ήταν αδιάφορη γι' αυτήν τη δεκαετία του '70», γράφει ο Ivanov-Razumnik, εννοώντας από την αισθητική έναν ανεξάρτητο επιστημονικό κλάδο που έχει αντικείμενο μελέτης απαλλαγμένο από «κοινωνιολογικές ακαθαρσίες». Όμως η ανάγκη για μια τέτοια θεωρία ήταν ιδιαίτερα έντονη τη δεκαετία του 1980, τη δεκαετία της «αναγέννησης της αισθητικής». Όχι χωρίς ακρότητες, αναγκάζεται να παραδεχτεί ο Ivanov-Razumnik, ότι τα νέα χαρακτηριστικά της τέχνης οδήγησαν άθελά τους στην αναβίωση της αισθητικής, αλλά στον ισχυρισμό του «εξαιρετικού αισθητισμού». (Ivanov-Razumnik. History of Social Thought. Individualism and Philistinism in Russian Literature and Life of the 19th Century: In 2 Art. Vol. 2.- S.-Pb., 1907.- S. 319-320). Αυτό είναι κατανοητό: μια μακρά παραμέληση των συγκεκριμένων και πρωτότυπων νόμων της τέχνης ως ειδικής μορφής ανθρώπινης δραστηριότητας οδήγησε σε αυτό που ο V. Solovyov αποκαλεί «αντίδραση υπέρ της τέχνης για χάρη της τέχνης».

Η πολυπλοκότητα και η ασυνέπεια της ανάπτυξης της αισθητικής σκέψης αυτής της περιόδου βρήκε έκφραση στην ανάδυση της φιλοσοφικής και αισθητικής αντίληψης των Κ. Λεοντίεφ, Φ. Ντοστογιέφσκι και Λ. Τολστόι.

Η αισθητική του Konstantin Nikolaevich Leontiev (1831-1891) βασίζεται σε κοινωνικο-πολιτιστικές αρχές. Θεωρεί την πρόοδο ως μια διαδικασία φθοράς και θανάτου της ομορφιάς, βλέπει σε αυτό την τραγωδία της ανθρωπότητας, γιατί η ομορφιά αναγνωρίζεται από αυτόν ως παγκόσμιο κριτήριο για την αξιολόγηση των φαινομένων του γύρω κόσμου.

Το αισθητικό ιδανικό, σύμφωνα με τον Λεοντίεφ, είναι οικουμενικό και συμπίπτει με το βιολογικό. Ο Ν. Μπερντιάεφ αποκαλεί τον Λεοντίεφ «πρώτο Ρώσο εστέτ» γιατί στο όνομα της ομορφιάς ήταν έτοιμος να θυσιάσει τα συμφέροντα της ανθρωπότητας και στην αντιπαράθεση του καλού με την ομορφιά ήταν εξ ολοκλήρου με το μέρος της τελευταίας.

Οι απόψεις του Φιοντόρ Μιχαήλοβιτς Ντοστογιέφσκι (1821-1881) για το ωραίο και την ουσία του καθορίστηκαν από το κυρίαρχο στοιχείο του έργου του - το πρόβλημα της ελευθερίας και της ευθύνης του ανθρώπου. Επομένως, οι αισθητικές αναζητήσεις του Ντοστογιέφσκι ήταν στενά συνδεδεμένες με ηθικές και κοινωνικές συμπεριφορές. Εξ ου και ο ορισμός της ομορφιάς σε ένα από τα πρώτα άρθρα: «Η ομορφιά είναι χρήσιμη επειδή είναι ομορφιά», επομένως η τέχνη ορίζεται ως «αυτοσκοπός». Το ιδανικό του Ντοστογιέφσκι για την ομορφιά καθορίζεται, πρώτα απ 'όλα, από το χαρακτηριστικό ενός «θετικά όμορφου ανθρώπου» - παράδειγμα υψηλής πνευματικότητας και ανθρωπιάς. Η ομορφιά είναι η αρμονία, που ενσαρκώνει τα ιδανικά του ανθρώπου και της ανθρωπότητας. περίφημος αφορισμόςΝτοστογιέφσκι «Η ομορφιά θα σώσει τον κόσμο» μαρτυρεί τη διαλεκτική που βρέθηκε στο ωραίο και χρήσιμο στη ρωσική αισθητική σκέψη.

Ο Λεβ Νικολάεβιτς Τολστόι (1828-1910), ένας καλλιτέχνης με μεγάλο ταλέντο, επέτρεψε στον εαυτό του να αμφισβητήσει την αναγκαιότητα της τέχνης που βασίζεται στις αρχές της ομορφιάς. Στη διάσημη πραγματεία «Τι είναι η Τέχνη;», που προκάλεσε έντονες διαμάχες στη δεκαετία του '90 του 19ου αιώνα, ασκεί κριτική στις ίδιες τις αισθητικές αρχές της καλλιτεχνικής δραστηριότητας. Ο Τολστόι δεν είναι ικανοποιημένος με κανέναν από τους ορισμούς της τέχνης, για να κατανοήσει κανείς την «πραγματική τέχνη, πρέπει» να πετάξει την έννοια της ομορφιάς που συγχέει το όλο πράγμα», λέει ο Τολστόι. Και κόβοντας την τέχνη στα δύο, ο Τολστόι εναντιώνεται με πάθος στην τέχνη της «ασέβειας, αισθητικής, που υπηρετεί την ομορφιά-απόλαυση, την τέχνη των πλουσίων και των αδρανών, που έχουν διεκδικήσει το δικαίωμα στις χαρές της ζωής και, πάνω απ' όλα, φυσικά, στην χαρές της σάρκας» (Tolstoy L.N. Τι είναι η τέχνη; // Περί λογοτεχνίας.- Μ., 1955.- Σελ. 353).

Οι τελευταίες δεκαετίες του 19ου αιώνα διακρίθηκαν από ιδιαίτερη προσοχή στη διαμόρφωση της αισθητικής θεωρίας σε συγκεκριμένους ανθρωπιστικούς κλάδους.

Αναδύονται νέες αισθητικές έννοιες της συγκριτικής-ιστορικής σχολής του Alexander Nikolayevich Veselovsky (1838-1906) και της ιστορικο-ψυχολογικής θεωρίας του Alexander Afanasyevich Potebnya (1835-1c91).

Διαφορετικοί ως προς τις μεθοδολογικές και ιδεολογικές τους βάσεις, οι εκπρόσωποι αυτών των σχολών διατύπωσαν αρχές που είχαν μεγάλη σημασία για την ανάπτυξη της ρωσικής αισθητικής. Έτσι, οι ιδέες του Veselovsky έγιναν η βάση για την ανάπτυξη της ρωσικής κοινωνιολογίας της τέχνης, τα έργα του Potebnya έδωσαν ισχυρή ώθηση σε τμήματα αισθητικής που εξέταζαν διάφορες πτυχές της ψυχολογίας της δημιουργικότητας και της καλλιτεχνικής αντίληψης.

Τα προβλήματα της αισθητικής εξακολουθούσαν να είναι αμφιλεγόμενα και να συζητούνται έντονα στα τέλη του 19ου αιώνα. Στις σελίδες του νέου περιοδικού «Problems of Philosophy and Psychology» ξεκίνησε μια συζήτηση για τα προβλήματα της μεθοδολογίας της αισθητικής επιστήμης. Τι πρέπει να μελετήσει η αισθητική, ποιο είναι το προβληματικό της πεδίο, ποια η ιδιαιτερότητα του αντικειμένου της αισθητικής επιστήμης; Αυτές οι ερωτήσεις σχετίζονταν άμεσα με την κατανόηση της ομορφιάς και της τέχνης, την αισθητική απόλαυση και τις λειτουργίες της τέχνης. Αυτές οι διαφωνίες αποκρυσταλλώνουν το καθεστώς της ρωσικής αισθητικής.

Η αυξανόμενη δημοτικότητα του μαρξισμού στη Ρωσία έθεσε στην ημερήσια διάταξη τη δημιουργία μιας τέτοιας αισθητικής, η οποία θα χτιζόταν στη βάση μιας διαλεκτικής υλιστικής προσέγγισης - η λύση σε αυτό το πρόβλημα αντικατοπτρίστηκε στο έργο του Georgy Valentinovich Plekhanov (1838-1918) . Όλη η σφαίρα της αισθητικής στην κοινωνική ζωή και τη φύση, ιδιαίτερα τα φαινόμενα της τέχνης, ήταν γι' αυτόν τα σημαντικότερα αντικείμενα της ιστορικής υλιστικής ανάλυσης. Ο Πλεχάνοφ έθεσε την ίδια την ανάπτυξη της αισθητικής σε άμεση εξάρτηση από μια τέτοια κατανόηση των διαδικασιών της καλλιτεχνικής και αισθητικής ζωής των ανθρώπων. Όλες οι κύριες διατάξεις της αισθητικής του Πλεχάνοφ - η υλιστική ερμηνεία της ομορφιάς, η αρχή του κοινωνικού ντετερμινισμού της τέχνης, η ενότητα της κοσμοθεωρίας και της δημιουργικότητας, η εξάρτηση της μορφής από το περιεχόμενο - χρησίμευσαν ως βάση για τη θεωρία του ρεαλισμού. Στις αρχές του 20ου αιώνα, οι ίδιες αυτές διατάξεις αναπτύχθηκαν στα αισθητικά και δημοσιογραφικά άρθρα του Β. Ι. Λένιν, σε δοκίμια και ομιλίες μαρξιστών κριτικών.

Εάν τις προηγούμενες δεκαετίες η αισθητική αναπτύχθηκε στο πλαίσιο της κριτικής και της δημοσιογραφίας, σε άμεση σύνδεση με την ιστορία της τέχνης, τότε στα τέλη του 19ου αιώνα το ρωσικό κοινό παρασύρθηκε από τις «θετικές επιστήμες», μεταξύ των οποίων δόθηκε η πρώτη θέση στην ψυχολογία. Εμφανίζεται μια ολόκληρη τάση, οι εκπρόσωποι της οποίας θεωρούν την αισθητική ως μια ιδιαίτερη αισθητική πειθαρχία, που βασίζεται «μόνο στην εμπειρία και την παρατήρηση, σαν να μην έχει ανάγκη από τη φιλοσοφία ως επιστήμη αρχών».

Οι G. Fechner, W. Wundt, T. Lipps, K. Gross, I. Volkelt γίνονται αρχές στη Ρωσία. Η επιθυμία για μια πλήρη και ακριβή εξήγηση του αισθητικού συναισθήματος, με βάση τα δεδομένα της φυσιολογίας και της ψυχολογίας, είναι χαρακτηριστική των έργων του Βλ. Velyamovich και L. Obolensky. Ο A. Tokarsky και ο C. Baltalon προσπαθούν να δώσουν μια πειραματική αιτιολόγηση για την αισθητική απόλαυση.

Η προσέγγιση της αισθητικής από αυτές τις θέσεις προκαλεί αρνητική εκτίμηση των εκπροσώπων της φιλοσοφικής-ιδεαλιστικής αισθητικής. Vl. Ο Solovyov είναι κατηγορηματικός σε αυτό το θέμα: «... Η πραγματική θεωρία της ομορφιάς είναι αυτή που έχει κατά νου τη δική της ουσία της ομορφιάς σε όλα της τα φαινόμενα... Καθώς η οργανική χημεία, παρ' όλη τη σημασία της για έναν βιολόγο, δεν μπορεί ... αντικαταστήστε τον με βιολογικά βοτανική και ζωολογική έρευνα και η ψυχοφυσιολογική ανάλυση των αισθητικών φαινομένων δεν θα αποκτήσει ποτέ την αξία της πραγματικής αισθητικής» (Soloviev Vl. Beauty in nature. Works. In 2 vols. Vol. 2 - M., 1989. - P. . 355).

Η φιλοσοφία του Vladimir Sergeevich Solovyov (1853-1900) έδωσε ώθηση στην ανάπτυξη της ρωσικής αισθητικής στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα. Οι φιλοσοφικές θέσεις της «παν-ενότητας» καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό την κατεύθυνση των αισθητικών του απόψεων. Στα έργα του 1877-1883 («Φιλοσοφικές αρχές της ολοκληρωμένης γνώσης», «Αναγνώσεις για τον θεάνθρωπο», «Τρεις ομιλίες στη μνήμη του Ντοστογιέφσκι») ο Solovyov δίνει μια φιλοσοφική αιτιολόγηση για την κατηγορία της ομορφιάς σε ενότητα με την αλήθεια και την καλοσύνη, προσπαθεί να κατανοήσει το πρόβλημα του συμβόλου. Στα τέλη της δεκαετίας του '80 και στις αρχές της δεκαετίας του '90, ο Solovyov έγραψε μια ολόκληρη σειρά άρθρων αφιερωμένων στη μελέτη των ποικίλων εκδηλώσεων της αισθητικής στη φυσική και πνευματική πραγματικότητα, την αισθητική ουσία της τέχνης ("Ομορφιά στη φύση", "Το γενικό νόημα της τέχνης », «Το πρώτο βήμα προς τη θετική αισθητική»).

Τα γενικά αισθητικά προβλήματα αντικατοπτρίζονται σε έργα αφιερωμένα στο έργο των Ρώσων ποιητών - Πούσκιν, Φετ, Πολόνσκι, Τιούτσεφ, Μάικοφ, Α. Τολστόι.

Το «Beauty in Nature» ήταν το πρώτο έργο στη ρωσική ιδεαλιστική αισθητική που ανέλυσε διεξοδικά την αισθητική ευελιξία του κόσμου. Η κύρια κατηγορία εδώ είναι η κατηγορία της ομορφιάς, πιο συγκεκριμένα η ομορφιά της φύσης, που λειτουργεί ως «ένα πραγματικά αντικειμενικό προϊόν μιας πολύπλοκης και σταδιακής κοσμογονικής διαδικασίας». Ο φιλόσοφος συνδέει την πρωτοτυπία της ομορφιάς με την αρχή της αρμονίας, της τελειότητας και της ακεραιότητας στο πνεύμα της κατανόησης του αρχαίου Κόσμου.

Η φυσική ομορφιά, σύμφωνα με τον Solovyov, έχει το δικό της αντίθετο - το άσχημο - ως πηγή εμφάνισης και θεωρείται ως αποτέλεσμα της αμοιβαίας διείσδυσης αντίθετων αρχών - ύλης και φωτός. Το φως για τον Solovyov είναι το παν, αλλά δεν μπορεί να υπάρξει χωρίς ύλη, και διεισδύοντας σε αυτό, το φως δημιουργεί ομορφιά. Η ίδια η ζωή είναι ένας οργανικός συνδυασμός ύλης και φωτός. Η φύση εμφανίζεται σε όλο της το μεγαλείο όπου επιτυγχάνεται η εσωτερική πληρότητα της ζωής - μια θέση που μας επιτρέπει να μιλήσουμε για τη συμφωνία του Solovyov με τον Chernyshevsky κατά την εξέταση και τη θέση του προβλήματος "όμορφη είναι η ζωή".

Ο Solovyov θεωρεί την ομορφιά σε όλες τις φυσικές μορφές στην ανάπτυξη από τον ανόργανο κόσμο στον οργανικό και μετά στον άνθρωπο. Η ομορφιά στην ανόργανη φύση υπάρχει σε δύο μορφές: «ελαφριά ομορφιά», για παράδειγμα, ο έναστρος ουρανός, ένα διαμάντι και η ομορφιά των φαινομένων, σαν να προσδοκά την πληρότητα της ζωής - ένα ηχηρό ρεύμα, ένας καταρράκτης. Οι διαδικασίες οργάνωσης που επικρατούν στον φυτικό κόσμο καθορίζουν την αδιαίρετη κυριαρχία της ομορφιάς των μοτίβων με τις εκπληκτικές μορφές τους, η υψηλότερη έκφραση των οποίων είναι τα λουλούδια.

Στον κόσμο των ζώων η ομορφιά εμφανίζεται σε διακοσμητικές και μουσικές μορφές, παρουσιάζει αισθητική γνώση με εκτενές και ενδιαφέρον υλικό που απαιτεί φιλοσοφικό στοχασμό. Η ομορφιά λαμβάνει την υψηλότερη έκφανσή της σε ένα άτομο που είναι η πιο τέλεια ενσάρκωση της αισθητικής αρχής στον φυσικό κόσμο και το μόνο ον ικανό να κυριαρχήσει δημιουργικά την πραγματικότητα. Ωστόσο, σε σύγχρονος κόσμος, αναγκάζεται να σημειώσει ο φιλόσοφος, η αντίφαση μεταξύ ανθρώπου και φύσης επιδεινώνεται. Αυτό το πρόβλημα έχει μια αισθητική πτυχή: οι τρόποι της ανθρώπινης δραστηριότητας στη μεταμόρφωση της φύσης «αποτελούν το καθήκον της τέχνης» ήδη επειδή το καθήκον της αισθητικής δημιουργικότητας είναι η πραγματική αναδημιουργία όχι μόνο του κοινωνικού, αλλά και του φυσικού κόσμου, η πραγματική εφαρμογή σε αυτό από τις υψηλότερες αρχές της ύπαρξης. Η ομορφιά είναι ο μόνος τρόπος να λυθούν οι αντιθέσεις. Έτσι, ο Solovyov, μαζί με τον Dostoevsky, ελπίζει στη σωτήρια δύναμη της ομορφιάς.

Φιλοσοφία της τέχνης Βλ. Ο Solovyov βασίζεται στον ορισμό του, είναι μια εικονική αναπαράσταση της πραγματικότητας από τη σκοπιά της πληρότητας της ζωής. Η τέχνη, η ανάπτυξή της, συνδέεται με τη συνολική βελτίωση της προσωπικής αρχής, με μια ανώτερη και πιο σύνθετη ανάπτυξη της κοινωνικής ζωής. Η σημερινή κατάσταση της τέχνης, όπως όλα τα δημιουργημένα έργα τέχνης, προμηνύει μόνο τη μελλοντική πραγματικότητα, αποτελώντας ένα ενδιάμεσο στάδιο στο δρόμο προς τη θεϊκή ομορφιά της επερχόμενης ύπαρξης.

Με βάση τις φιλοσοφικές αρχές του Βλ. Ο Solovyov χτίζει επίσης μια ταξινόμηση των μορφών τέχνης, η οποία προβλέπει την τέλεια ομορφιά άμεσα και έμμεσα. Η πρώτη μορφή εκφράζεται στη μουσική και, εν μέρει, στη λυρική ποίηση. Η μορφή της διαμεσολαβούμενης προσμονής είναι διπλή και περιλαμβάνει, πρώτον, την ενίσχυση, την εξιδανίκευση της φυσικής ομορφιάς (αρχιτεκτονική, τη ζωγραφική του τοπίου) και, δεύτερον, τις αποκλίσεις μεταξύ του ιδανικού και της πραγματικότητας (ηρωικό έπος, τραγωδία, κωμωδία).

Vl. Ο Solovyov αναπτύσσει την ιδέα της αξιακής φύσης της τέχνης και, στη βάση της, καθορίζει τη θέση της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας στην ολοκληρωμένη διαδικασία της ανθρώπινης ζωής. Από αυτή τη στάση προκύπτει η κατηγορηματική απόρριψη του «αισθητικού διαχωρισμού» από τον φιλόσοφο:

«Η τέχνη δεν είναι για την τέχνη, αλλά για την εκπλήρωση αυτής της πληρότητας της ζωής, που περιλαμβάνει απαραίτητα ένα ιδιαίτερο στοιχείο της τέχνης - την ομορφιά, αλλά την περιλαμβάνει όχι ως κάτι ξεχωριστό και αυτοπιεστικό, αλλά σε μια ουσιαστική και εσωτερική σύνδεση με όλα τα το υπόλοιπο περιεχόμενο της ζωής».

Στην εξήγηση της τέχνης ως ενεργού μορφής αντανάκλασης του κόσμου και μέσου έκφρασης των αξιών της ζωής, ως ένα είδος υπηρεσίας σε πραγματικά ζωτικά ιδανικά, ο Solovyov βλέπει έναν τρόπο να αποκαλύψει το αισθητικό του νόημα. Ο N. G. Chernyshevsky κατάφερε να κάνει το πρώτο βήμα προς μια τέτοια αποκάλυψη, πιστεύει ο Solovyov.

Στις αρχές του 20ου αιώνα, οι αισθητικές αρχές του Βλ. Το Solovyov βασίζεται στον Sergei Nikolaevich Bulgakov (1871-1944). Τα άρθρα του για τη ζωγραφική του Πικάσο και της Γκολούμπκινα, για τα ποιήματα του Βλ. Solovyov και το έργο του Vyach. Ο Ιβάνοφ μαρτυρούν την εμφανή επίδραση της ποίησης του μεγάλου φιλοσόφου. Με τον Vl. Ο Solovyov συνέδεσε τις αισθητικές αναζητήσεις του S. Frank, υπό την επιρροή του, γράφτηκαν τα έργα του E. N. Trubetskoy, αφιερωμένα στη ρωσική εικόνα. Απόηχοι της φιλοσοφικής κατανόησης της ομορφιάς στη φύση και της ομορφιάς στην τέχνη βρίσκονται στο The Meaning of Creativity του N. Berdyaev. Όμως πίσω από την αισθητική του Βλ. Ο Solovyov ακολουθήθηκε όχι μόνο από τη ρωσική αισθητική θεωρία - η εμφάνιση του ρωσικού συμβολισμού συνδέεται με το όνομά του.

Πρέπει να τονιστεί ότι το τέλος του 19ου και οι αρχές του 20ου αιώνα χαρακτηρίζονται ως μια «μεταβατική», κρίσιμη περίοδος του ρωσικού πολιτισμού. Η αναζήτηση νέων αξιών και ιδανικών καθορίζει τόσο την καλλιτεχνική πρακτική όσο και την αισθητική θεωρία. Το μέλλον της τέχνης, και πάνω απ' όλα, της εγχώριας τέχνης, προκαλεί έντονες συζητήσεις. Βασίζονται σε μια αισθητική κατανόηση μιας σειράς προβλημάτων: τις παραδόσεις της ρωσικής τέχνης, τον ορισμό της καινοτομίας του περιεχομένου και της μορφής, την πρωτοτυπία της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, την ιδιαιτερότητα και την ιδιαιτερότητα της καλλιτεχνικής εικόνας σε διάφορους τύπους τέχνης. Υπήρχε ανάγκη, σύμφωνα με τα λόγια του Valery Bryusov, «να βρούμε ένα αστέρι-οδηγό στην ομίχλη». Ένα τέτοιο αστέρι δηλώνεται ως συμβολισμός.

Στη ρωσική κουλτούρα, ο συμβολισμός κατανοήθηκε ως μια ευρεία τάση στην οποία εκδηλώθηκε σαφώς η ύπαρξη διαφορετικών ιδεολογικών, αισθητικών και κοινωνικοπολιτιστικών τάσεων - ο θρησκευτικός μυστικισμός, που βρήκε την έκφρασή του στα έργα των D. Merezhkovsky και Z. Gippius, και ο ισχυρισμός του «καθαρή τέχνη» στο πρόσωπο του K Balmont, και ποιητές-θεωρητικοί του συμβολισμού ως «κατασκευασμένη κοσμοθεωρία ενός νέου πολιτισμού» - V. Bryusov, A. Bely, A. Blok. Επομένως, οι ιδεολογικο-θεωρητικές και αισθητικές πλατφόρμες του ρωσικού συμβολισμού προκάλεσαν πολλές διαμάχες τόσο κατά την ίδρυσή του όσο και σήμερα. Και στο παρελθόν, η οριοθέτηση των συμβολιστών συνεχιζόταν ακόμη και σε σχέση με την ερμηνεία της βασικής έννοιας του «σύμβολου». Αλλά όλοι οι εξέχοντες εκπρόσωποι του συμβολισμού έκαναν εξαιρετικά υψηλές απαιτήσεις από ένα άτομο, από την κοινωνία και ιδιαίτερα από την τέχνη. Εξ ου και η έκκληση στα βαθιά προβλήματα της ανθρώπινης ύπαρξης, η αφιέρωση των θεμάτων των έργων του στα προβλήματα του νοήματος της ζωής, του θανάτου, της πάλης του χάους με το σύμπαν. Η αισθητική του συμβολισμού επιβεβαίωσε την «υπερωρία» ενός έργου τέχνης, τον διαχωρισμό του, έτσι, από τις ιδιαιτερότητες της ιστορικής διαδικασίας. Σε αυτό στοχεύει η αναζήτηση καλλιτεχνικών τεχνικών, φέρνοντας στο προσκήνιο το στολίδι, τη γραφική γραμμή, την επιθυμία όχι απλώς για σύνθεση διαφορετικά είδητέχνη, αλλά και να βρει μια ορισμένη θεμελιώδη αρχή τους - «προ-τέχνη».

Οι συμβολιστές έβλεπαν το καθήκον της αισθητικής στην εύρεση «ακριβών αντιστοιχιών μεταξύ του ορατού και του αόρατου κόσμου». Η πράξη της δημιουργικότητας, σύμφωνα με τους περισσότερους συμβολιστές, φέρει μια προσπάθεια υπέρβασης των ορίων που θέτει ο πραγματικός κόσμος και μια δημιουργική παρόρμηση από μόνη της είναι ήδη μια πράξη δημιουργικότητας. Ο χώρος έγινε αντιληπτός ως ένα σταθερό εμπόδιο που πρέπει να ξεπεραστεί.

Η συμβολιστική αισθητική είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με τις πολιτισμικές σπουδές.

Οι συμβολιστές αποδέχονται την κύρια ιδεολογική θέση της «Ασημένιας Εποχής» - την απόλυτη αισθητικοποίηση της ύπαρξης, πολιτιστική ζωή. Η εποχή του εθνικισμού και του τεχνισμού προκαλεί μια διαμαρτυρία ενάντια στην επέμβαση της μηχανής στην ανθρώπινη ζωή· η τεχνολογία στην αισθητική των Συμβολιστών γίνεται αντιληπτή ως μια μοιραία δύναμη, η προσωποποίηση του Ratio, που υποτάσσει ένα άτομο. Έμεινε η τέχνη, η οποία υποτίθεται ότι εισχωρούσε βαθιά στον πνευματικό κόσμο με τη δύναμη της καλλιτεχνικής διαίσθησης. Αναδεικνύοντας τη διαισθητική αρχή στη γνωσιολογία, οι Συμβολιστές ορίζουν την ποίηση ως μια ειδική μορφή γνώσης, τονίζουν την ιδιαίτερη σημασία του μεταμορφωτικού ρόλου του ποιητή, τη δραστηριότητά του ως δημουργού, δημιουργού του κόσμου. Η δήλωση του προβλήματος λαμβάνει μια πρωτότυπη ερμηνεία.

Έτσι, στον Α. Μπλοκ η σύγκρουση μεταξύ «πολιτισμού» και «πολιτισμού» εκφράζεται στην αντίθεση των μουσικών και αντιμουσικών αρχών του κόσμου, του δημιουργικού πνεύματος και της μηχανιστικής ύπαρξης. κύρια ιδέαΗ αισθητική του A. Bely βασίζεται στη δήλωση της «ζωντανής δημιουργικότητας της ζωής», ανιχνεύει την επιθυμία να αποκαλύψει τα προσωπικά-δημιουργικά, υπαρξιακά θεμέλια όλων των μορφών ζωής, δημιουργικότητας και γνώσης.

Η σύγχρονη επιστήμη έχει καθορίσει την κυριαρχία του στενού ορθολογισμού, η φιλοσοφία και η τέχνη έχουν διχάσει την ακεραιότητα του ανθρώπινου «εγώ», έτσι προέκυψε ένα σημαντικό ερώτημα: πώς να «διασταυρωθεί η επιστήμη, η τέχνη, η φιλοσοφία σε μια ολοκληρωμένη κοσμοθεωρία». Η αισθητική παίζει σημαντικό ρόλο στην επίλυση αυτού του ζητήματος: θεωρείται ως πρόγραμμα δημιουργίας ζωής και όχι δημιουργία καλλιτεχνικών μορφών. Εξ ου και η κατανόηση της τέχνης - παίρνει φτερά όπου το κάλεσμα στη δημιουργικότητα είναι ταυτόχρονα «ένα κάλεσμα στη δημιουργικότητα της ζωής».

Ο ρωσικός συμβολισμός υιοθέτησε μια σειρά από αισθητικές στάσεις από τη δυτική κουλτούρα - «Οι ιδέες του Πλάτωνα είναι υπέροχοι κόσμοι» (A. Blok), οι αρχές της «προσέγγισης της φυσικής ομορφιάς» του Schelling, η «αισθητοποίηση του Σύμπαντος» του Richard Wagner, η κατανόηση του Schopenhauer για τη «βούληση». ως δημιουργική αρχή». Ο Φρίντριχ Νίτσε ήταν μια μεγάλη αυθεντία για τους Ρώσους Συμβολιστές, οι οποίοι αναδημιούργησαν αυτή τη «φυλή ιδιοφυΐας» που, σύμφωνα με τον Μπέλι, ο ευρωπαϊκός πολιτισμός δεν είχε ξαναδεί, και έτσι έγινε ο «δημιουργός της ζωής». Στην αισθητική του Νίτσε, οι συμβολιστές έλκονται από την αντίθεση στη «φωτεινή, λογικά αρμονική αρχή του Απόλλωνα» από τη νυχτερινή, «αυθόρμητα δυσαρμονική αρχή του Διονύσου». Όμως όλες οι αρχές της δυτικής φιλοσοφίας και αισθητικής «διαθλούνταν» μέσα από το δόγμα του Solovyov για την «ψυχή του κόσμου», την εσωτερική του εναρμόνιση, συμβολίζοντας την ενότητα της ομορφιάς και της καλοσύνης.

Στα τέλη της πρώτης δεκαετίας του ΧΧ αιώνα. Η ρωσική αισθητική βιώνει μια απομάκρυνση από τις αρχές του συμβολισμού. Στην αισθητική θεωρία και την καλλιτεχνική πράξη, επιβεβαιώνονται οι διατάξεις μιας σειράς διαφορετικών κατευθύνσεων, οι πιο δημοφιλείς από τις οποίες ήταν ο ακμεισμός (ελληνικά akme - το υψηλότερο στάδιο του κάτι, η ανθούσα δύναμη) και ο φουτουρισμός (Λατινικά futurum - μέλλον). Ο ακμεϊσμός έλαβε μια αισθητική και θεωρητική δικαίωση στα άρθρα των N. Gumilyov, S. Gorodetsky, O. Mandelstam, A. Akhmatova, G. Ivanov κ.α. », διακήρυξε συγκεκριμένη αισθητηριακή αντίληψη «ο κόσμος των πραγμάτων», την επιστροφή στη λέξη της κύριας σημασίας της, της αρχικής σημασίας.

Οι ακμεϊστές και οι μελλοντολόγοι είχαν διαφορετική στάση απέναντι στο πρόβλημα των καλλιτεχνικών παραδόσεων. Οι πρώτοι έχτισαν την αισθητική τους, λαμβάνοντας υπόψη τη νεωτερικότητα υπό το πρίσμα της προηγούμενης πολιτιστικής εμπειρίας, τοποθέτησαν «το παρόν στο μέλλον». Οι ακμεϊστές, πλησιάζοντας πιο κοντά στον όψιμο συμβολισμό, εστίασαν στην αποκάλυψη «στην τέχνη των «αιώνιων ουσιών». Οι φουτουριστές, ξεκινώντας από τον συμβολισμό, αναζητούσαν έναν τρόπο για την άμεσα δεδομένη πραγματικότητα.

Τα σημασιολογικά «πρωταρχικά στοιχεία» της τέχνης» άλλαξαν τη φύση τους. Οι φουτουριστές κατέστρεψαν το όριο μεταξύ τέχνης και ζωής, μεταξύ εικόνας και καθημερινής ζωής, εστίασαν στη γλώσσα του δρόμου, στα δημοφιλή έντυπα, στη διαφήμιση, στην αστική λαογραφία και στις αφίσες, δικαιολογώντας θεωρητικά αυτόν τον προσανατολισμό.

Τις πρώτες δεκαετίες του 20ου αιώνα, η ρωσική αισθητική δεν περιοριζόταν στο να θέτει ερωτήματα σχετικά με τη θεωρητική τεκμηρίωση συγκεκριμένων σχολών τέχνης και τάσεων. Η φιλοσοφική αισθητική εστιάζει στη θεωρία της δημιουργικότητας. Τα έργα των P. Engelmeyer, S. Frank, A. Gornfeld, K. Erberg, το ήδη ονομαζόμενο έργο του N. Berdyaev, η σειρά φιλοσοφικών και ψυχολογικών άρθρων του I. Lapshin, η τεκμηρίωση της φαινομενολογίας της δημιουργικότητας από τον T. Rainov, οι μελέτες των A. Evlakhov και S. Gruzenberg μαρτυρούν ποικιλία μεθοδολογικών και θεωρητικών αναζητήσεων.

ΓΕΡΜΑΝΙΚΗ ΚΛΑΣΙΚΗ ΦΙΛΟΣΟΦΙΑ (Θέμα 7)

Η γερμανική κλασική αισθητική του τέλους του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα είναι ένα σύνθετο και αμφιλεγόμενο στάδιο στην ανάπτυξη της παγκόσμιας αισθητικής σκέψης. Εκπροσωπείται από τον Καντ, τον Χέγκελ, τον Σέλινγκ, άλλους στοχαστές και συγγραφείς. Στο έργο τους, αφενός, έγιναν αντιληπτές και αναπτύχθηκαν κάποιες πρόνοιες των Γερμανών διαφωτιστών. Από την άλλη, οι κλασικοί της γερμανικής αισθητικής σκέψης αποκάλυψαν τις αδυναμίες του Διαφωτισμού και διατύπωσαν νέες ιδέες. Ανέπτυξαν νέες μεθοδολογικές αρχές στην προσέγγισή τους στην ανάλυση της αισθητικής κουλτούρας. Το κύριο επίτευγμα της γερμανικής κλασικής αισθητικής ήταν η μέθοδος της ιδεαλιστικής διαλεκτικής.

1. Αισθητική του Καντ.Θεωρούσε την αισθητική ως το τελικό μέρος του φιλοσοφικού συστήματος, ανεβάζοντάς το έτσι στο επίπεδο μιας καθαρά φιλοσοφικής επιστήμης. Το κύριο έργο του Καντ για την αισθητική είναι η Κριτική της κρίσης. Η κεντρική κατηγορία της αισθητικής του Καντ είναι η σκοπιμότητα. Χρησιμοποιεί αυτή την έννοια όταν εξετάζει τις κύριες αισθητικές κατηγορίες. Από αυτά, βάζει το ωραίο στην πρώτη θέση, το υψηλό στη δεύτερη, μετά υπάρχουν οι φιλοσοφικές και αισθητικές κατηγορίες της τέχνης και της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας.

Το όμορφο είναι αυτό που πρέπει να αρέσει σε όλους χωρίς κανένα ενδιαφέρον, από την καθαρή του μορφή. Έτσι, ο Καντ διαχώρισε την αισθητική από την επιστήμη, την ηθική και τις πρακτικές ανάγκες του ανθρώπου. Απομόνωσε τη σφαίρα της αισθητικής από όλα τα άλλα είδη ανθρώπινης κοινωνικής δραστηριότητας.

Όπως το όμορφο, έτσι και το υπέροχο ευχαριστεί, φέρνει ευχαρίστηση από μόνο του. Αλλά στο ωραίο, η απόλαυση συνδέεται με την αναπαράσταση της ποιότητας και στο ύψιστο με την ποσότητα. Στο ωραίο, η ηδονή γεννά άμεσα την αίσθηση της ζωτικής δραστηριότητας, ενώ το ύψιστο στην αρχή προκαλεί την αναστολή των ζωτικών δυνάμεων για λίγο και μόνο τότε συμβάλλει στην έντονη εκδήλωσή τους.

Για να αντιληφθείς την ομορφιά αρκεί να έχεις γούστο, δηλαδή την ικανότητα να αναπαραστήσεις ένα αντικείμενο σε σχέση με την ευχαρίστηση ή τη δυσαρέσκεια. Για να αναπαραχθεί η ομορφιά, όμως, απαιτείται μια άλλη ικανότητα, δηλαδή η ιδιοφυΐα.

Αποκαλύπτοντας τη φύση της ιδιοφυΐας, ο Καντ στρέφεται στην ανάλυση των χαρακτηριστικών της τέχνης. Η τέχνη διαφέρει από τη φύση στο ότι είναι αποτέλεσμα ανθρώπινης δραστηριότητας. Διαφέρει επίσης από τη θεωρητική δραστηριότητα και από τη χειροτεχνία. Η τέχνη ενεργεί νόμιμα χωρίς νόμο, σκόπιμα χωρίς πρόθεση. Ο νόμος με τον οποίο δημιουργεί μια ιδιοφυΐα δεν είναι κανόνας λογικής, είναι φυσική αναγκαιότητα. εσωτερικός χαρακτήρας. Η φύση του καλλιτέχνη δίνει το νόμο, η έμφυτη ικανότητα του πνεύματος - η ιδιοφυΐα - προδιαγράφει τον κανόνα στην τέχνη. Ένα έργο τέχνης, επομένως, είναι το προϊόν της δημιουργίας μιας ιδιοφυΐας, και η ίδια η τέχνη είναι δυνατή μόνο μέσω μιας ιδιοφυΐας. Η ιδιοφυΐα είναι η ικανότητα να θέτεις κανόνες. Είναι απολύτως δημιουργικό, είναι πρωτότυπο. Η ιδιοφυΐα βρίσκεται μόνο στην τέχνη.

2. Η θέση της αισθητικής στο σύστημα του απόλυτου ιδεαλισμού του Χέγκελ. Η σημασία και η προοδευτική φύση της αισθητικής του αντίληψης έγκειται όχι μόνο στη βαθιά θεωρητική ανάλυση της παγκόσμιας τέχνης, σε ευρείες φιλοσοφικές γενικεύσεις της πρακτικής από την αρχαιότητα έως τις αρχές του 19ου αιώνα, αλλά και σε μια νέα προσέγγιση στη μελέτη αυτής της καλλιτεχνικής πρακτικής. . Η τέχνη και όλος ο τεράστιος χώρος της αισθητικής του παρουσιάστηκε για πρώτη φορά με τη μορφή μιας διαλεκτικής διαδικασίας.

Η τέχνη πηγάζει από την απόλυτη ιδέα. Η τέχνη είναι μια από τις μορφές αυτοαποκάλυψης του απόλυτου πνεύματος. Ένα συγκεκριμένο είδος τέχνης συνδέεται με έναν συγκεκριμένο τρόπο ζωής των ανθρώπων, με την κρατική δομή και τη μορφή διακυβέρνησης, με την ηθική, με τη δημόσια ζωή, με την επιστήμη και τη θρησκεία.

Ο Χέγκελ εντοπίζει τρεις τύπους σχέσης μεταξύ της ιδέας και της διαμόρφωσης. Στο αρχικό στάδιο, η ιδέα εμφανίζεται σε μια αφηρημένη και μονόπλευρη μορφή. το συμβολικόςμορφή τέχνης. Ιστορικά αναφέρεται στην τέχνη των λαών της Αρχαίας Ανατολής. Αυτή η τέχνη διακρίνεται από μυστήριο, υπεροχή, αλληγορισμό και συμβολισμό. Το αφηρημένο περιεχόμενο που δεν έχει αναπτυχθεί δεν έχει βρει ακόμη την κατάλληλη μορφή εδώ.

Η συμβολική μορφή της τέχνης αλλάζει κλασσικός. Εδώ μιλάμε για την αρχαία τέχνη της κλασικής περιόδου. Για να ενσωματωθεί το περιεχόμενο, οι ιδέες, βρίσκεται μια κατάλληλη εικόνα, ανάλογη με την ελεύθερη ατομική πνευματικότητα. Σε αυτή τη μορφή, η ιδέα ή το περιεχόμενο φθάνει στη δέουσα ακρίβεια.

Ακολουθεί την κλασική τέχνη ρομαντικός. Εδώ πάλι αφαιρείται η πλήρης ενότητα της ιδέας και της εμφάνισής της και υπάρχει μια επιστροφή, αν και σε υψηλότερο επίπεδο, στη διάκριση μεταξύ αυτών των δύο πλευρών, χαρακτηριστική της συμβολικής τέχνης. Το περιεχόμενο της ρομαντικής τέχνης φτάνει σε μια τέτοια πνευματική ανάπτυξη όταν ο κόσμος της ψυχής, σαν να λέγαμε, θριαμβεύει πάνω στον εξωτερικό κόσμο και δεν μπορεί πλέον να βρει, χάρη στον δικό του πνευματικό πλούτοαναλογική αισθησιακή ενσάρκωση. Σε αυτό το στάδιο, το πνεύμα απελευθερώνεται από το αισθησιακό κέλυφος και τη μετάβαση σε νέες μορφές αυτογνωσίας - τη θρησκεία, και στη συνέχεια τη φιλοσοφία. Η ρομαντική μορφή τέχνης είναι εκείνο το στάδιο της ανάπτυξής της όπου αρχίζει η αποσύνθεση. Αυτό είναι γενικά το τέλος της τέχνης, από τη σκοπιά του Χέγκελ.

Η πραγματικότητα της τέχνης, η πραγματοποίησή της για τον Χέγκελ ήταν το ιδανικό. Από αυτή την άποψη, επέκρινε την αρχή της μίμησης της φύσης. Η ενσάρκωση του ιδανικού δεν είναι μια απομάκρυνση από την πραγματικότητα, αλλά, αντίθετα, η βαθιά, γενικευμένη, ουσιαστική εικόνα του, αφού το ίδιο το ιδανικό θεωρείται ότι έχει τις ρίζες του στην πραγματικότητα. Η ζωτικότητα του ιδανικού στηρίζεται ακριβώς στο γεγονός ότι το βασικό πνευματικό νόημα, που πρέπει να αποκαλύπτεται στην εικόνα, διεισδύει πλήρως σε όλες τις ιδιαίτερες πτυχές του εξωτερικού φαινομένου. Η εικόνα του ουσιαστικού, του χαρακτηριστικού, της ενσάρκωσης του πνευματικού νοήματος, της μετάδοσης των σημαντικότερων τάσεων της πραγματικότητας είναι η αποκάλυψη του ιδανικού. Σε αυτή την ερμηνεία, το ιδανικό συμπίπτει με την έννοια της αλήθειας στην τέχνη, την καλλιτεχνική αλήθεια.

3. Αισθητική του Schelling.Θεωρούσε την τέχνη από τη σκοπιά της «ενδοσκόπησης του πνεύματος». Αυτή η ενδοσκόπηση του πνεύματος είναι δυνατή μόνο στην ενατένιση των έργων τέχνης. Ένα έργο τέχνης είναι προϊόν δημιουργικής ιδιοφυΐας. Η δημιουργική δραστηριότητα είναι ελεύθερη και ταυτόχρονα υπόκειται σε καταναγκασμό, είναι συνειδητή και ασυνείδητη, σκόπιμη και παρορμητική. Οι καλλιτέχνες δημιουργούν «ακαταλόγιστα», ικανοποιώντας «μόνο την αμείλικτη ανάγκη της φύσης τους».

Εφόσον ο καλλιτέχνης δημιουργεί, παρακινούμενος από τη φύση του, το έργο τέχνης περιέχει πάντα περισσότερα από αυτά που σκόπευε να εκφράσει. Στην περίπτωση αυτή, το ίδιο το προϊόν της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας αποκτά τον χαρακτήρα του «θαύματος». Από αυτό το χαρακτηριστικό της δημιουργικής ιδιοφυΐας, ο Σέλινγκ συνήγαγε το χαρακτηριστικό γνώρισμα του έργου τέχνης: «το άπειρο της ασυνειδησίας». Η ομορφιά είναι το άπειρο που εκφράζεται στο πεπερασμένο.

Η ομορφιά είναι το κύριο χαρακτηριστικό της τέχνης. Η ομορφιά στην τέχνη είναι ανώτερη από τη φυσική. Ένα έργο τέχνης είναι διαφορετικό από ένα «έργο χειροτεχνίας». Το πρώτο είναι προϊόν «απολύτως ελεύθερης δημιουργικότητας» και το δεύτερο επιδιώκει αυτόν ή τον άλλον εξωτερικό στόχο. Η τέχνη είναι το πρωτότυπο της επιστήμης. Η γενική διαδικασία της κίνησης της τέχνης πηγαίνει από την «πλαστικότητα» στη «ζωγραφική». Η τέχνη σταδιακά απελευθερώνεται από το σωματικό.

Ο Schelling άντλησε την τέχνη από το απόλυτο και συνέδεσε το πρόβλημα της μυθολογίας με αυτό. Η μυθολογία είναι το κύριο «θέμα» της τέχνης. Ο μύθος είναι μια συγκεκριμένη μορφή σκέψης, ανεξάρτητα από τυχόν ιστορικά όρια. Ανά πάσα στιγμή, η τέχνη είναι αδιανόητη χωρίς μυθολογία. Αν λείπει, το δημιουργεί ο ίδιος ο καλλιτέχνης.

ΜΗ ΚΛΑΣΙΚΕΣ ΕΝΝΟΙΕΣ

ΔΥΟΕΥΡΩΠΑΪΚΗ ΑΙΣΘΗΤΙΚΗ ΤΟΥ XIX ΑΙΩΝΑ (Θέμα 8)

Αν το πιο σημαντικό φαινόμενο της ευρωπαϊκής φιλοσοφικής σκέψης στο πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα ήταν η γερμανική κλασική φιλοσοφία, το αποτέλεσμα της οποίας, έχοντας απορροφήσει όλα τα κύρια αισθητικά προβλήματα και ιδέες, μπορεί να ονομαστεί αισθητική του Χέγκελ, τότε η περαιτέρω μοίρα της αισθητικής σκέψης συνδέεται με την κατάρρευση του εγελιανού συστήματος. Με την αποσύνθεση του εγελιανισμού, ο μαρξισμός, ο θετικισμός, ο νεοχεγκελιανισμός προκύπτουν διάφορες ανορθολογιστικές, άρα και κριτικές και αντιπολιτευτικές προς τον Χέγκελ τάσεις. Η μοίρα της αισθητικής σκέψης καθορίζεται πλέον σε μεγάλο βαθμό από τα συμπεράσματα που εξάγονται από το χεγκελιανό σύστημα, είτε η φιλοσοφική μέθοδος του Χέγκελ γίνεται αποδεκτή είτε πλήρως απορριφθεί.

1. Αισθητική θεωρία του Σοπενχάουερ.Σύμφωνα με τον στοχαστή, οτιδήποτε υπάρχει στον κόσμο λειτουργεί ως μια ποικιλία ενσαρκώσεων της θέλησης. Το υποκείμενο προσπαθεί να ξεπεράσει την εξάρτηση από τη θέληση, να αγωνιστεί να απελευθερωθεί από την υπηρέτησή της. Η απελευθέρωση από την εκούσια εξάρτηση όχι μόνο ανοίγει έναν δρόμο για να γνωρίσει ένα άτομο τις ουσιές, αλλά τον σώζει και από τα βάσανα. Η άνοδος πάνω από τη θέληση είναι δυνατή με τη βύθιση στον εαυτό μας, με τον στοχασμό των ιδεών. Μια τέτοια κατάσταση επιτυγχάνεται με δύο τρόπους: με εκούσια παραίτηση από τη θέληση για ζωή ή μέσω της τέχνης.

Στην αισθητική του, ο Σοπενχάουερ εισάγει έναν «πίνακα βαθμών» για όλα τα είδη τέχνης. Παράλληλα προχωρά και από την εμπλοκή τους στην αποκάλυψη της διαθήκης. Όσο περισσότερο αυτό ή εκείνο το είδος τέχνης είναι ικανό να αποκαλύψει την «αλήθεια της ζωής», τόσο μεγαλύτερο είναι το βάρος αυτού του είδους τέχνης.

Ο ρόλος της αναπαράστασης ή της παρουσίασης ιδεών ανήκει στο μερίδιο των καλών τεχνών, της ποίησης, της δραματουργίας. Αλλά αυτές οι ιδέες είναι μόνο η αντικειμενοποίηση της βούλησης, και όχι η ίδια η βούληση. Κάθε ένα από τα παραπάνω είδη τέχνης αναπαράγει, με τα δικά του μέσα, κάποια ιδέα για τον κόσμο, κάποιο βαθμό αντικειμενοποίησης της θέλησης. Έτσι, η αρχιτεκτονική δίνει μια κατανόηση του χαμηλότερου επιπέδου, όπου η βούληση εκφράζεται ως η ιδέα μιας κωφής και ασυνείδητης προσπάθειας της μάζας και η τραγωδία είναι ήδη ικανή να αποκαλύψει τη «διαφωνία της θέλησης με τον εαυτό της».

Η μουσική ξεχωρίζει στην αισθητική του Σοπενχάουερ. Όλο το σύνολο των τεχνών, εκτός από τη μουσική, καλείται να συμβάλει στη γνώση της ιδέας μιας επαρκούς αντικειμενοποίησης της θέλησης. Η μουσική έχει άλλο σκοπό και άλλο αντικείμενο. Εκφράζει την πεμπτουσία της ζωής, την ίδια τη θέληση. Ο κόσμος μπορεί να θεωρηθεί ως ενσαρκωμένη μουσική και ως ενσωματωμένη βούληση.

2. Διονυσιακές και Απολλώνιες αρχές ως καθολικά της καλλιτεχνικής συνείδησης.Οι σημαντικότερες έννοιες της φιλοσοφίας του Σοπενχάουερ - «θέληση» και «αναπαράσταση» - όπως κατανοούν οι «διονυσιακές» και «απόλλων» αρχές του ανθρώπινου πολιτισμού. Νίτσε. Η «διονυσιακή» τέχνη έχει σχεδιαστεί για να δώσει «μεταφυσική παρηγοριά» σε ανθρώπους που γνώρισαν την αρχική τραγωδία της αρχής που διαμορφώνει τη ζωή, επιτρέποντάς τους να απαλλαγούν από την οδυνηρή αίσθηση της διάσπασης και της μοναξιάς τους στη βακχική μέθη. Το έργο της τέχνης «Απόλλων», που αισθητικοποιεί την απατηλή ποικιλομορφία του κόσμου, είναι να βοηθήσει τους αφυπνισμένους από τη βακχική μέθη να ξεπεράσουν την αηδία τους για αυτόν τον κόσμο, να αναβιώσουν τη θέλησή τους να δουλέψουν και να παλέψουν για τα εύθραυστα δώρα και τις φευγαλέες χαρές του.

Ο Νίτσε πρότεινε την ιδέα ενός «υπερανθρώπου», στην οποία η ελιτίστικη αντίληψη του, που είχε αισθητική προέλευση, βρήκε τη λογική της κατάληξη. Αρχικά, τα δικαιώματα της ελίτ σε μια προνομιακή ύπαρξη δικαιολογήθηκαν από τον Νίτσε με αναφορά στη μοναδική αισθητική της ευαισθησία και νοσηρή ευαισθησία στα βάσανα. Στη συνέχεια, οι «λάτρεις της ζωής» περιλαμβάνονται στην ελίτ - εκπρόσωποι της κυρίαρχης κάστας, οι οποίοι, δυνάμει αυτού, έχουν μια θετική στάση απέναντι στη ζωή. Στο τέλος, ο Νίτσε καταλήγει στο συμπέρασμα ότι μια πραγματικά καλλιτεχνική γεύση είναι μια γεύση για τη ζωή, που λαμβάνεται σε όλες τις εκφάνσεις της - τόσο ψηλά όσο και χαμηλά, και οδηγεί στο ότι ανήκει στην κάστα των δασκάλων, παρέχοντας στους ανθρώπους καθημερινές ανέσεις και φυσιολογικές υγεία.

3. Αισθητικά προβλήματα στο έργο του Κίρκεγκωρ.Αυτός ο φιλόσοφος και συγγραφέας ήταν ο δημιουργός του ιστορικά πρώτου τύπου υπαρξιακής φιλοσοφίας. Το όνομά του συνδέεται με τη μετάβαση της αισθητικής στις θέσεις του ανορθολογισμού.

Η θεμελιώδης κατηγορία της φιλοσοφίας του είναι η «ύπαρξη». Δεν υπάρχουν ερωτήματα πιο σημαντικά, πιο σημαντικά από το ερώτημα πώς να ζεις, τι να είσαι, τι να αγωνίζεσαι. Ο Κίρκεγκωρ διακρίνει τρία στάδια της ανθρώπινης ύπαρξης, τα οποία αντιπαραθέτει μεταξύ τους: αισθητικό, ηθικό και θρησκευτικό.

Το αισθητικό στάδιο βασίζεται σε έναν άμεσο, αισθησιακό τρόπο ζωής. Ο όρος «αισθητική» χρησιμοποιείται με την ευρεία έννοια κάθε τι που, σε αντίθεση με τη λογική, αναφέρεται σε αισθητηριακές αντιλήψεις και συναισθήματα, σε όλη την «ευαισθησία γενικά». Η αισθητική αντίληψη με την έννοια με την οποία συνήθως χρησιμοποιούμε αυτήν την έννοια, και η αισθητική απόλαυση που συνδέεται με αυτήν, ανήκουν στη σφαίρα της αισθητικής με αυτή την ευρύτερη έννοια. Η κορυφαία έκφραση του αισθητικού σταδίου είναι η επιδίωξη της σεξουαλικής απόλαυσης.

Η αμφιβολία, ο προβληματισμός, ο σκεπτικισμός είναι οι αναπόφευκτοι καρποί που μεγαλώνουν όσο ωριμάζει το αισθητικό στάδιο. Το αναπόφευκτο τέλος του αισθητικού σταδίου είναι η μελαγχολία, η απελπισία, η απέραντη απόγνωση. απελπισία - θανατηφόρα ασθένεια, ξεπερνώντας όλους όσοι ζουν στο αισθητικό στάδιο, χτυπώντας και διαβρώνοντας αδυσώπητα τη συνείδησή του.

4. Τέχνη και ιδεολογία στις αισθητικές απόψεις του Μαρξ.Η γενική φιλοσοφική βάση της μαρξιστικής αισθητικής είναι ο διαλεκτικός και ιστορικός υλισμός, η μέθοδος είναι η υλιστική διαλεκτική. Ο Μαρξ πίστευε ότι ήταν αδύνατο να κατανοήσει κανείς την τέχνη μόνο με βάση τους εσωτερικούς, έμφυτους νόμους ανάπτυξής της. Η ουσία, η προέλευση, η ανάπτυξη και ο κοινωνικός ρόλος της τέχνης μπορούν να κατανοηθούν μόνο από ένα ολοκληρωμένο κοινωνικό σύστημα μέσα στο οποίο ο οικονομικός παράγοντας -η ανάπτυξη των παραγωγικών δυνάμεων σε σύνθετη αλληλεπίδραση με τις σχέσεις παραγωγής- παίζει καθοριστικό, πρωταγωνιστικό ρόλο. Κατά συνέπεια, η τέχνη είναι μόνο ένα μέρος της ολοκληρωμένης διαδικασίας της ιστορίας, η υλική βάση της οποίας είναι η ανάπτυξη των παραγωγικών δυνάμεων και των σχέσεων παραγωγής. Η τέχνη είναι μια από τις μορφές κοινωνικής συνείδησης. Επομένως, τα αίτια όλων των αλλαγών του θα πρέπει να αναζητηθούν στο κοινωνικό είναι των ανθρώπων, δηλαδή στην οικονομική βάση της κοινωνίας. Η οικονομική βάση είναι η καθοριστική αρχή που καθορίζει την κανονικότητα της ιστορικής εξέλιξης της λογοτεχνίας, της τέχνης και άλλων υπερδομικών φαινομένων. Μορφές ιδεολογίας - ανάμεσά τους η λογοτεχνία και η τέχνη - δρουν σε αυτό το πλαίσιο ως κάτι δευτερεύον σε σχέση με τη βάση.

5. Η φύση της τέχνης και της καλλιτεχνικής δημιουργίας στην αισθητική θεωρία του Φρόιντ.Αυτός ο ερευνητής ήταν κυρίως ψυχολόγος. Δεν είχε την αισθητική ως επιστήμη των κατηγοριών, τη σχέση των μορφών τέχνης, την καλλιτεχνική μέθοδο, το ύφος, το περιεχόμενο και τη μορφή. Οι σπουδές του στην τέχνη καθοδηγούνταν και περιορίζονταν από τις ανάγκες της ψυχολογικής του θεωρίας.

Ο Φρόιντ θεωρούσε την τέχνη έκφραση του εσωτερικού κόσμου ενός ανικανοποίητου ανθρώπου, αποδίδοντάς του ως κύριο κριτήριο την αρχή της ευχαρίστησης, απόλυτα προσανατολισμένη στις εσωτερικές φιλοδοξίες και ανάγκες. Πρώτα απ 'όλα, η τέχνη απομακρύνει τη δυσαρέσκεια των σεξουαλικών και επιθετικών επιθυμιών.

Ο δημιουργός της ψυχανάλυσης παρουσιάζει την τέχνη όχι μόνο ως ένα ουτοπικό, εξιδανικευμένο, τακτοποιημένο ον, ίσο με τη «φύση» ενός ανθρώπου, αλλά πιστεύει ότι η τέχνη είναι ικανή να εξανθρωπίσει και να καλλιεργήσει αυτή τη «φύση». Η τέχνη είναι ένας ειδικός τρόπος εξορθολογισμού των ορμών, ένας από τους τύπους εξάχνωσης, αντικατάστασης των ασυνείδητων ορμών με ανώτερες μορφές συνείδησης.

Σύμφωνα με τον Φρόιντ, ο καλλιτέχνης διαφέρει από τον συνηθισμένο άνθρωπο στη δύναμη των ενστικτωδών ορμών, που δεν μπορούν να ικανοποιηθούν πλήρως με την πρακτική πραγματικότητα. Ως εκ τούτου, στρέφεται στον κόσμο της φαντασίας, των ονείρων, προκειμένου να βρει ένα υποκατάστατο για την άμεση ικανοποίηση των σεξουαλικών επιθυμιών. Ο καλλιτέχνης, χάρη σε μια ιδιαίτερα ανεπτυγμένη ικανότητα εξάχνωσης, μετατρέπει τις ανικανοποίητες επιθυμίες του σε στόχους επιτεύξιμους στα μονοπάτια της ψυχικής δραστηριότητας.

Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Φοιτητές, μεταπτυχιακοί φοιτητές, νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές και την εργασία τους θα σας είναι πολύ ευγνώμονες.

Δημοσιεύτηκε στις http://www.allbest.ru/

Εισαγωγή

1. Η εξέλιξη των αισθητικών ιδεών

3. Η αισθητική ως αξία

4. Αισθητικές αξίες

5. Η καλοσύνη και η ομορφιά στην πνευματική εμπειρία του σύγχρονου ανθρώπου

6. Αισθητική δραστηριότητα. Δημιουργία

συμπέρασμα

Βιβλιογραφία

Εισαγωγή

Η αισθητική συνείδηση ​​είναι φαινόμενο πνευματικής κουλτούρας. Όπως έχουν σημειώσει πολλοί στοχαστές, και όπως έχει δείξει εκτενώς ο Χέγκελ, ο λόγος είναι άψυχος χωρίς αίσθημα και ανίσχυρος χωρίς θέληση. Οι έννοιες της αλήθειας και της καλοσύνης είναι ελλιπείς χωρίς ομορφιά, και η ομορφιά, με τη σειρά της, εκδηλώνεται εκεί που ο νους πλησιάζει την αλήθεια και η θέληση κατευθύνεται προς την καλοσύνη. «Είμαι πεπεισμένος», έγραψε ο Χέγκελ, «ότι η ύψιστη πράξη της λογικής, που αγκαλιάζει όλες τις ιδέες, είναι μια αισθητική πράξη και ότι η αλήθεια και η καλοσύνη ενώνονται με συγγενικούς δεσμούς μόνο στην ομορφιά. Σε κανέναν τομέα δεν μπορεί κανείς να αναπτυχθεί πνευματικά χωρίς να διαθέτει αισθητική αίσθηση.

Η ίδια η λέξη «αισθητική» προέρχεται από το γρ. Οι λέξεις "αισθητικός" - συναίσθημα, αισθησιακή και αισθητική συνείδηση ​​είναι η επίγνωση του περιβάλλοντος κόσμου με τη μορφή συγκεκριμένων-αισθησιακών, καλλιτεχνικών εικόνων. Πολύ συχνά, η αισθητική συνείδηση ​​ταυτίζεται με την τέχνη, αλλά αυτό δεν είναι απόλυτα ακριβές. Η αισθητική, δηλαδή η πρόκληση αντίστοιχων συναισθημάτων σε έναν άνθρωπο, μπορεί να είναι οτιδήποτε: φυσικά τοπία, οποιαδήποτε αντικείμενα υλικής και πνευματικής ζωής.

αισθητική ιδέα αξία πνευματική

1. Η εξέλιξη της αισθητικήςτις ιδέες τους

Η πρώτη προσπάθεια τεκμηρίωσης των αισθητικών κατηγοριών έγινε από τους αρχαίους στοχαστές - τους Πυθαγόρειους Σωκράτη και Πλάτωνα. Η ανάπτυξη αυτών των κατηγοριών συνεχίστηκε από τον Αριστοτέλη, ο οποίος μελέτησε επίσης την επίδραση της τέχνης στον άνθρωπο που την αντιλαμβάνεται. Θεωρούσε την τέχνη ως μέσο απαλλαγής από τα αισθήματα: η ενσυναίσθηση με ένα έργο τέχνης οδηγεί στην «κάθαρση» (κάθαρση, ο όρος των Πυθαγορείων). Η αριστοτελική ιδέα της ενσυναίσθησης αναπτύχθηκε περαιτέρω στην ανάπτυξη της θεωρίας της αισθητικής αντίληψης των καλλιτεχνικών φαινομένων.

Η μεσαιωνική αισθητική, που συνδέεται με τα ονόματα του Αυγουστίνου και του Θωμά Ακινάτη, αφενός κληρονόμησε πολλά από την αρχαιότητα και αφετέρου συνέθεσε αισθητικά προβλήματα με θρησκευτικά (χριστιανικά). Η τέχνη δεν θεωρήθηκε ως ένας εγγενώς πολύτιμος τομέας πνευματικής δραστηριότητας. Θεωρήθηκε μέσο έκφρασης της υψηλότερης πνευματικής αρχής - του Θεού. Ήταν ο Θεός που ανακηρύχθηκε η πηγή της ομορφιάς και της αρμονίας. Ως εκ τούτου, οι τέχνες που συνέβαλαν στην ενίσχυση της επιρροής και της εξουσίας της θρησκείας και της εκκλησίας -αρχιτεκτονική, ζωγραφική, γλυπτική, διακοσμητικές-μνημειακές και διακοσμητικές-εφαρμοσμένες τέχνες- μελετήθηκαν στο μέγιστο βαθμό.

Η Αναγέννηση, με τον χαρακτηριστικό της ανθρωποκεντρισμό, άλλαξε σημαντικά τις αισθητικές ιδέες που δημιούργησε ο Μεσαίωνας. Η εστίαση είναι σε ένα άτομο - έναν σκεπτόμενο, συναίσθημα, δημιουργικό καλλιτέχνη, του οποίου η δραστηριότητα δημιουργεί τον κόσμο της ομορφιάς. Η αισθητική και η τέχνη της Αναγέννησης είναι εμποτισμένα με το πνεύμα του ουμανισμού. Ο πολιτισμός της Αναγέννησης αντιπροσωπεύεται από τα ονόματα των Λεονάρντο ντα Βίντσι, Μιχαήλ Άγγελο, Μποκάτσιο, Σαίξπηρ, Θερβάντες και άλλων.

Οι ιδέες του Διαφωτισμού διείσδυσαν ενεργά στην αισθητική θεωρία του 18ου-19ου αιώνα. Η ιδέα της ανάγκης εκδημοκρατισμού της κοινωνίας άγγιξε και την τέχνη: επανεξετάστηκε ο κοινωνικός της σκοπός και τονίστηκε η εκπαιδευτική της λειτουργία. Η τέχνη, μετά από μια άνευ προηγουμένου άνοδο στην Αναγέννηση, περιορίζεται και πάλι στο ρόλο του μέσου - πλέον επίλυσης κοινωνικών προβλημάτων.

Η γερμανική κλασική φιλοσοφία έχει κάνει ένα σημαντικό βήμα στην κατανόηση της ουσίας της ομορφιάς. Η γερμανική κλασική φιλοσοφία χαρακτηρίζεται από την επιθυμία συστηματοποίησης των μορφών δημιουργικής δραστηριότητας: ο Καντ διακρίνει τρεις κύριους τύπους τέχνης - οπτική, λεκτική, μουσική. Ο Χέγκελ χτίζει επίσης μια παρόμοια συστηματοποίηση των τεχνών, συμπληρώνοντάς την με μια πληρέστερη και λεπτομερέστερη περιγραφή καθενός από τους τύπους στην ιστορική τους εξέλιξη (συμβολικές, κλασικές και ρομαντικές μορφές, που αντιστοιχούν στην τέχνη της αρχαίας Ανατολής, της αρχαίας και της Δυτικής Ευρώπης , σύγχρονος του Χέγκελ). Ο Καντ υποστήριξε ότι η αισθητική γεύση ενός ατόμου είναι ικανή να αναγνωρίσει αξίες που δεν συνιστούν άμεσο όφελος για αυτό το άτομο. Έτσι η ουσία της αισθητικής σχέσης συνίσταται στην αδιάφορη απόλαυση του πράγματος. Πράγματι, το φαγητό μας χορταίνει, αλλά γιατί να ακούμε κάτι τόσο περίεργο, εφήμερο όπως η μουσική; Η ευχαρίστηση που προέρχεται από το νόστιμο φαγητό συνδέεται με το προσωπικό συμφέρον του κορεσμού και η απόλαυση από τη μουσική είναι η απόλαυση στην πιο αγνή της μορφή. Όλα τα έμβια όντα έχουν την ανάγκη για κορεσμό και μόνο οι άνθρωποι έχουν την ικανότητα να λάβουν αισθητική ικανοποίηση.

Στις αισθητικές έννοιες του XIX-XX αιώνα. επικρατεί μια μετατόπιση της έμφασης προς το ενδιαφέρον για ένα δημιουργικό άτομο. Η τέχνη θεωρείται ως μέσο αυτο-αποκάλυψης του εσωτερικού κόσμου του καλλιτέχνη, καθώς και παγκόσμιο μέσο επικοινωνίας και κατανόησης της πραγματικότητας.

2. Αισθητικές κατηγορίες

Διακρίνονται διάφορες αισθητικές κατηγορίες. Η αισθητική κατηγορία, η πιο καθολική και ευρύτερη κατηγορία αισθητικής, υποδηλώνει την αξία των αντικειμένων, των φυσικών φαινομένων και της κοινωνικής ζωής για την ανθρωπότητα. Η αισθητική (από το ελληνικό aisthetikos) - αίσθηση, αισθησιακή, αίσθηση - είναι η κεντρική έννοια εδώ. Μερικές φορές ταυτίζεται με την έννοια του «όμορφου». Η αισθητική - όπως γίνεται αισθησιακά αντιληπτή και φέρνει ευχαρίστηση και απόλαυση - είναι εγγενής σε διάφορες σφαίρες της ανθρώπινης ύπαρξης. Φορείς του αισθητικού δυναμικού είναι η φύση, ο άνθρωπος, η διαδικασία και το αποτέλεσμα της ανθρώπινης δραστηριότητας. Μπορείτε να μιλήσετε για την ομορφιά του φθινοπωρινού τοπίου, να ονομάσετε μια όμορφη πράξη, στυλ συμπεριφοράς, μια πρωτότυπη συλλογιστική, έναν τρόπο υλοποίησης μιας ιδέας. Ας θυμηθούμε τη φράση του Τσέχοφ ότι τα πάντα σε έναν άνθρωπο πρέπει να είναι όμορφα - πρόσωπο, ρούχα, ψυχή και σκέψεις, καθώς και πνευματικά και υλικά αντικείμενα που δημιουργούνται από τον άνθρωπο με τη μορφή έργων τέχνης. Αλλά αναζητώντας την ομορφιά, στρεφόμαστε, πρώτα απ 'όλα, στην τέχνη, γιατί σε αυτήν η αρμονία και η τελειότητα είναι ο στόχος που ενσωματώνεται στα έργα των καλλιτεχνών.

Μαζί με το ωραίο στη ζωή, υπάρχει κάτι που συνήθως υποδηλώνεται με την κατηγορία του «άσχημου». Οι ιδέες για αυτό συνδέονται με τη δυσαρμονία, την ασχήμια, την ασυμφωνία μεταξύ των μερών και του συνόλου, την εξωτερική ατέλεια, την εσωτερική ασυνέπεια, την ανηθικότητα, την κατωτερότητα, την έλλειψη πνευματικότητας. Ωστόσο, η τέχνη μας πείθει για τη δυνατότητα μετάβασης από τη μια κατάσταση στην άλλη. ό,τι θεωρούμε άσχημο στη ζωή γίνεται όμορφο στην τέχνη: οι γέροι του Ρέμπραντ, οι ζητιάνοι του Π. Κορίν, οι χαρακτήρες του «κάτω» του Γκόρκι, οι «αρνητικοί ήρωες» - κακοί, δολοφόνοι - που ερμηνεύονται από ταλαντούχους ηθοποιούς μας κάνουν να βιώνουμε συναισθηματικές ανατροπές. και βιώστε μια αισθητική αίσθηση.

Το «Υψηλό» και το «ηρωικό» είναι έννοιες που καλύπτουν διάφορα φαινόμενα της πραγματικότητας. Οι σκέψεις, τα συναισθήματα, οι φιλοδοξίες, τα κίνητρα για πράξεις, η φύση των σχέσεων μπορεί να είναι υπέροχα. Το υψηλό αντιτίθεται στο χαμηλό. (Στην τέχνη, η βάση, όπως και το άσχημο, που συζητήθηκε παραπάνω, μπορεί να βιώσει τις ίδιες μεταμορφώσεις, δηλαδή να γίνει πηγή αισθητικών συναισθημάτων.) Η κατηγορία του υψηλού καταλαμβάνει ξεχωριστή θέσηστο σύστημα των αισθητικών αξιών. Στην πραγματικότητα το ύψιστο βρίσκεται στα όρια της αισθητικής και της ηθικής. Υπάρχει μια έννοια του λεγόμενου υψηλού στυλ. Συγκρίνετε, για παράδειγμα, τις λέξεις ζωή και ζωή. Με την πρώτη ματιά, φαίνεται ότι το νόημα και των δύο λέξεων είναι το ίδιο, μόνο που η λέξη ζωή είναι γεμάτη με κάτι υπέροχα υπέροχα: δεν μπορείς να πεις ζωή για κάθε ζωή. Η ίδια η λέξη ζωή, σαν να λέμε, εξυψώνει αυτό για το οποίο μιλάει.

Το ηρωικό - η ιδιότητα των ανθρώπινων σκέψεων, παρορμήσεων και πράξεων - είναι πιο συνηθισμένο στη ζωή από όσο πιστεύεται συνήθως. Αλλά δεν είναι συνηθισμένο για ένα άτομο να παρατηρεί τον διακριτικό ηρωισμό της καθημερινής ζωής, το καθημερινό κατόρθωμα των ανθρώπων να σώζουν τις ζωές άλλων ανθρώπων, μερικές φορές με τίμημα τη δική τους. Το ηρωικό λειτουργεί συχνά ως αντικείμενο τέχνης και εδώ η αισθητική στάση απέναντί ​​του συνδέεται, κατά κανόνα, με μια ηθική εκτίμηση.

Το τραγικό και το κωμικό είναι αντίποδες κατηγορίες: η αντίληψη του πρώτου προκαλεί αίσθημα σοκ, συναισθηματικό στρες, φόβο, απόγνωση. το δεύτερο δημιουργεί θετικά συναισθήματα, ευχαρίστηση, γέλιο. Το τραγικό στη ζωή (φυσικές καταστροφές, καταστροφές, πόλεμοι, επαναστάσεις, πολιτική βία, θάνατος αγαπημένων προσώπων, απώλεια προσανατολισμών ζωής, κατάρρευση ελπίδων) είναι η αιτία για έντονες συναισθηματικές εμπειρίες, αγχωτικές αντιδράσεις, ενέργειες που με τη σειρά τους οδηγούν σε τραγικές συνέπειες (δολοφονία, αυτοκτονία, παράνομες ενέργειες, ανήθικες πράξεις). Οι τραγωδίες και τα δράματα στη ζωή (προσωπικές και κοινωνικές) δύσκολα μπορούν να χρωματιστούν θετικά συναισθηματικά. Είναι άλλο θέμα στην τέχνη - εδώ το τραγικό αποκτά τα χαρακτηριστικά του υψηλού, του ωραίου.

Η επίδραση του κόμικ συνήθως συνδέεται με μια ασυμφωνία μεταξύ του φαινομένου και της ουσίας, μεταξύ του υπάρχοντος και του φαινομένου, μεταξύ της μορφής και του περιεχομένου. Το κόμικ είναι μια από τις πιο μυστηριώδεις αισθητικές κατηγορίες. Γελάμε με τους ήρωες των κωμωδιών γιατί βλέπουμε τους εαυτούς μας σε αυτές και ασυναίσθητα χλευάζουμε τις δικές μας ατέλειες. Ωστόσο, οι συνθήκες της ζωής κάποιου, που μας φαίνονται γελοίες, παύουν να είναι τέτοιες μόλις γίνουν γεγονός της ίδιας μας της ζωής. Γελάμε πρόθυμα με τους άλλους, αλλά υποφέρουμε οδυνηρά όταν βρισκόμαστε στη θέση αυτών που γελοιοποιούνται.

Το χιούμορ -ως εκδήλωση του κόμικ- έχει μια προσωρινή (ιστορική), εθνική, κοινωνικοπολιτισμική προϋποθέσεις. Μερικές φορές είναι ασαφές στον σύγχρονο αναγνώστη και θεατή των αρχαίων κωμωδιών τι ακριβώς είναι το αντικείμενο χλευασμού, ειρωνείας κ.λπ. Οι εγχώριες κωμωδίες συχνά γίνονται αντιληπτές από το ξένο κοινό σχεδόν σαν δράματα.

Το γέλιο είναι στην πραγματικότητα μια ανθρώπινη εκδήλωση συναισθήματος, όχι χαρακτηριστική για άλλα πλάσματα. Όπως όταν υποφέρουμε, καθαρίζουμε εσωτερικά, όταν γελάμε, θεραπευόμαστε από τις δικές μας ατέλειες.

Εκτός από τις αισθητικές κατηγορίες που συζητήθηκαν παραπάνω, η δομή της αισθητικής συνείδησης περιλαμβάνει στοιχεία όπως το αισθητικό συναίσθημα. Αυτή είναι η ικανότητα της εμπειρίας, της ενσυναίσθησης, της εμπειρίας ευχαρίστησης. Και επίσης, η αισθητική γεύση είναι η ικανότητα να κρίνεις το ωραίο σε διάφορες μορφές εκδήλωσής του. Και η αισθητική αξιολόγηση είναι το αποτέλεσμα ενός ειδικού είδους αισθητικής δραστηριότητας - καλλιτεχνικής αντίληψης - που εκφράζεται με τη μορφή λεπτομερούς κρίσης, που αντικατοπτρίζει μια θετική ή αρνητική στάση απέναντι στο αντιληπτό.

3 . Η αισθητική ως αξία

Η αισθητική παίζει τον ρόλο του χρήσιμου μέχρι να αποκαλυφθεί πλήρως και να διαμορφωθεί στην κοινωνικοϊστορική πράξη η αντίθεση: φύση-πολιτισμός, φυσικός-κοινωνικός. Ο άνθρωπος απολαμβάνει το ωραίο για να μην ικανοποιεί χρηστικές ανάγκες (πείνα, δίψα).

Στην αισθητική αντίληψη, υπάρχει εκείνο το υψηλότερο ενδιαφέρον που προκύπτει μόνο όταν ικανοποιούνται οι άμεσες ανάγκες ενός ατόμου και όταν διαμορφώνεται ένα σύνθετο δίκτυο κοινωνικών συμφερόντων, συχνά μακριά από ωφελιμιστικές ανάγκες. Το αισθητικό αντικείμενο και η στάση απέναντί ​​του καθορίζονται ουσιαστικά από την κοσμοϊστορική εξέλιξη της ανθρωπότητας. Ας αντιληφθούμε την αισθητική στο θέμα, ας αντιληφθούμε την ευρύτερη κοινωνική και πρακτική σημασία της, την αξία της για την ανθρωπότητα συνολικά, για ολόκληρο το ανθρώπινο γένος.

Η ικανότητα ενός αντικειμένου να είναι φορέας κοινωνικών και πολιτισμικών νοημάτων είναι η βάση της αισθητικής τους αξίας. Η αποφασιστικότητα του υλικού, η αισθησιακή ακρίβεια και οι φυσικές ιδιότητες των αντικειμένων είναι το φυσικό υλικό της αισθητικής. Χάρη στην κοινωνικοϊστορική πρακτική, τα αντικείμενα και τα φαινόμενα παρασύρονται στη σφαίρα των ανθρώπινων συμφερόντων και αποκτούν κοινωνικές ιδιότητες, «αισθητικο-υπεραισθητήριο» χαρακτήρα, την αξία τους για την ανθρωπότητα, δηλαδή την αισθητική τους αρχή, τις αισθητικές τους ιδιότητες.

Η αισθητική αξία ενός αντικειμένου δεν εξαρτάται μόνο από τις φυσικές του ιδιότητες, αλλά και από τις κοινωνικές συνθήκες στις οποίες περιλαμβάνεται. Ο χρυσός έχει μια ορισμένη αισθητική επίδραση σε έναν άνθρωπο, όχι μόνο ως «εγγενές φως», αλλά και ως μέταλλο που προσωποποιεί το χρήμα, δηλαδή τελικά ως ένα συγκεκριμένο είδος κοινωνικών σχέσεων. Οι αισθητικές ιδιότητες των αντικειμένων δεν είναι πανομοιότυπες με τις έγχρωμες.

4 . Αισθητικές αξίες

Αισθητική όπως φιλοσοφική επιστήμηγια το ωραίο παίρνει σάρκα και οστά ως ανεξάρτητη πειθαρχία μόλις τον 18ο αιώνα. Ο Γερμανός φιλόσοφος Alexander Baumgarten το 1735 στη διατριβή του «Φιλοσοφικοί στοχασμοί για ορισμένα ερωτήματα που αφορούν το ποιητικό έργο» χρησιμοποιεί για πρώτη φορά τον όρο «αισθητική», σχηματίζοντας τον από την ελληνική «αισθητηριακή αντίληψη». Σύμφωνα με τον στοχαστή, η αισθητική είναι η επιστήμη της αισθητηριακής γνώσης, η οποία καθιστά δυνατή «να διεισδύσουμε και σε εκείνες τις τέχνες με τις οποίες οι κατώτερες γνωστικές ικανότητες μπορούν να βελτιωθούν, να οξύνονται και να εφαρμοστούν με πιο ευνοϊκό τρόπο για το καλό του κόσμου». Η αξία του Baumgarten ήταν ότι βρήκε το κλειδί για την ενότητα της αισθητικής σφαίρας, εισάγοντας όχι μόνο τον όρο «αισθητική», αλλά και ένα παράγωγό του «αισθητική». Από εκείνη τη στιγμή, η φιλοσοφική γνώση δεν αποχωρίστηκε πλέον με την «αισθητική» ως ανεξάρτητη κατηγορία, που κάλυπτε ολόκληρο το θέμα της αισθητικής - την αισθητική σχέση του ανθρώπου με τον κόσμο. Και παρόλο που το Baumgarten δεν έχει την έννοια της «αισθητικής αξίας», οι όροι «αισθητική σημασία», «αισθητικός πλούτος», «αισθητική αξιοπρέπεια» βρίσκονται στις προσεγγίσεις του. Ο συνδυασμός της «αισθητικής» με την έννοια της «αξίας» εμφανίζεται στο έργο του Johann Sulzer. Γενική θεωρίακαλές τέχνες»: «Ο καλλιτέχνης που ισχυρίζεται ότι είναι πραγματικά διάσημος πρέπει να στρέψει την προσοχή του στην αξία του αισθητικού υλικού». Πρέπει να σημειωθεί ότι πριν αυτή η «αξία» χρησιμοποιήθηκε μόνο με την ηθική έννοια.

Οι αισθητικές αξίες (όπως όλες οι άλλες) είναι μια σύνθεση τριών βασικών αξιών: υλική-αντικειμενική, ψυχολογική, κοινωνική. Το υλικό-αντικειμενικό νόημα περιλαμβάνει τα χαρακτηριστικά των εξωτερικών ιδιοτήτων των πραγμάτων και των αντικειμένων που λειτουργούν ως αντικείμενο μιας σχέσης αξίας. Η δεύτερη έννοια χαρακτηρίζει τις ψυχολογικές ιδιότητες ενός ατόμου ως θέμα σχέσεων αξίας. Το κοινωνικό νόημα υποδηλώνει τη σχέση μεταξύ των ανθρώπων, χάρη στην οποία οι αξίες αποκτούν έναν καθολικά σημαντικό χαρακτήρα. Η ιδιαιτερότητα των αισθητικών αξιών έγκειται στη σχέση ενός ατόμου με την πραγματικότητα, χαρακτηριστική της αισθητικής. Υπονοεί μια αισθησιακή-πνευματική, ανιδιοτελή αντίληψη της πραγματικότητας, η οποία στοχεύει στην κατανόηση και την αξιολόγηση της εσωτερικής ουσίας των πραγματικών αντικειμένων.

Θα ήταν λάθος να πιστεύουμε ότι η ανάδυση της έννοιας της «αισθητικής αξίας» οδήγησε στην εμφάνιση ενός «χάσματος» μεταξύ του αισθητικού και του ηθικού. Ανεβάζοντας την έννοια της αξίας στην τάξη μιας φιλοσοφικής κατηγορίας, ο Hermann Lotze έδειξε ότι ο υψηλότερος βαθμός αισθητικής αξίας είναι αδιαχώριστος από την ηθική και την ηθική. Η αισθητική αξία της ενότητας και της διαφορετικότητας, της συνέπειας και της αντίθεσης, της έντασης και της χαλάρωσης, της προσμονής και της έκπληξης, της ταυτότητας και της αντίθεσης δεν έγκειται από μόνη της. Και αν η πολυπλοκότητα, η ένταση και η χαλάρωση, αν η έκπληξη και η αντίθεση έχουν αισθητική αξία, τότε αυτή η αξία βασίζεται στο γεγονός ότι όλες αυτές οι μορφές σχέσεων και φαινομένων είναι απαραίτητα στοιχεία στην τάξη του κόσμου, η οποία στη διασύνδεσή τους πρέπει να δημιουργήσει το αναπόφευκτες τυπικές προϋποθέσεις για την ολοκληρωμένη εφαρμογή του αγαθού.

Όλα τα αντικείμενα και τα φαινόμενα της πραγματικής και νοητής πραγματικότητας μπορούν να έχουν αισθητικές αξίες, αν και οι ίδιες οι αξίες δεν έχουν ούτε φυσική ούτε ψυχική φύση. Η ουσία τους έγκειται στη σημασία, όχι στην πραγματικότητα. Δεδομένου ότι οι αισθητικές αξίες έχουν υποκειμενικό-αντικειμενικό χαρακτήρα, δηλαδή υποδεικνύουν τη συσχέτισή τους με ένα άτομο, η παρουσία αισθητικής αξίας σε αυτά τα αντικείμενα εξαρτάται από το συγκεκριμένο σύστημα κοινωνικο-ιστορικών σχέσεων στο οποίο περιλαμβάνονται. Επομένως, οι αισθητικές αξίες έχουν σαθρά όρια και το περιεχόμενό τους είναι πάντα κοινωνικοϊστορικό.

Με βάση την ταξινόμηση των αισθητικών αξιών που αναπτύχθηκε από την αισθητική επιστήμη, ο κύριος τύπος του είναι το όμορφο, το οποίο με τη σειρά του εμφανίζεται σε πολλές συγκεκριμένες παραλλαγές (όπως χαριτωμένο, χάρη, καλή εμφάνιση, λαμπρότητα κ.λπ.). ένα άλλο είδος αισθητικής αξίας - το υψηλό - έχει επίσης μια σειρά από παραλλαγές (μεγαλοπρεπής, μεγαλοπρεπής, μεγαλοπρεπής κ.λπ.). Όπως όλες οι άλλες θετικές αξίες, έτσι και το ωραίο και το υψηλό συσχετίζονται διαλεκτικά με τις αντίστοιχες αρνητικές αξίες, «αντι-αξίες», με το άσχημο (άσχημο) και το βασικό.

Μια ειδική ομάδα αισθητικών αξιών είναι οι τραγικές και κωμικές, που χαρακτηρίζουν τις αξιακές ιδιότητες διαφόρων δραματικών καταστάσεων στη ζωή ενός ανθρώπου και της κοινωνίας και διαμορφώνονται μεταφορικά στην τέχνη.

Πρέπει να δοθεί προσοχή στην αντιφατική φύση των αισθητικών αξιών. Ακόμη και οι αρχαίοι παρατήρησαν την ασυμφωνία μεταξύ του εσωτερικού και του εξωτερικού. Για πρώτη φορά στη φιλοσοφία, ο Πλάτωνας θέτει το πρόβλημα της διάκρισης της ουσίας της ομορφιάς από τις εκδηλώσεις της. "Τι ΕΙΝΑΙ ΟΜΟΡΦΟ?" και "Τι είναι υπέροχο;" ρωτάει. Η διάκριση μεταξύ της ουσίας της αισθητικής αξίας και της εκδήλωσής της, μεταξύ της αντικειμενικής και της υποκειμενικής πλευράς της αξίας, βρίσκεται επίσης στους στοχασμούς του Richard Avenarius. Αυτός ο εκπρόσωπος της εμπειριοκριτικής, για να ξεκαθαρίσει τη σκέψη του, εισήγαγε την έννοια της «E-value», αποκαλώντας την και «χαρακτήρα». Σύμφωνα με τον ίδιο, το «e-value» είναι μια περιγράψιμη αξία, «από τη στιγμή που θεωρείται το περιεχόμενο της δήλωσης άλλου ατόμου». Ο «όμορφος» και ο «άσχημος» στοχαστής αναφέρεται στον «χαρακτήρα» ή «E-αξίες», με όλες τις υποκειμενιστικές συνέπειες που απορρέουν από την ερμηνεία του. Ο Avenarius βλέπει την αξιακή φύση της «ηθικής και αισθητικής αντίληψης»: «Καθένα από αυτά στοχεύει να προσδιορίσει την αξία ενός αντικειμένου και το αποτέλεσμα αυτής της αξιολόγησης με τη μορφή κατηγορήματος συνδέεται με το αντικείμενο, αποκαλώντας το καλό ή κακό, όμορφος ή άσχημος».

Ωστόσο, η ίδια η αξία, σύμφωνα με τον Avenarius, ανάγεται στη θετικιστική κατανόηση της σκοπιμότητας - «την αρχή της ελάχιστης δαπάνης προσπάθειας». «Δεν θα φανούμε, ίσως, πολύ τολμηροί», γράφει στο «Φιλοσοφία ως σκέψη για τον κόσμο σύμφωνα με την αρχή του ελάχιστου μέτρου ισχύος», «αν προσπαθήσουμε να μειώσουμε την αισθητική αξία ορισμένων μορφών στην ίδια αρχή της πρόσφορης δαπάνης δύναμης».

Το αρχικό σύστημα αξιών προτάθηκε από τον ψυχολόγο και φιλόσοφο Hugo Münsterberg. Οι αισθητικές αξίες εκφράζουν την αυτοσυνέπεια του κόσμου. Υπάρχουν σε δύο επίπεδα: σε επίπεδο αξιών ζωής και σε επίπεδο πολιτισμικών αξιών. Σε πρώτο επίπεδο, είναι ένα αντικείμενο χαράς: η αρμονία του εξωτερικού κόσμου, η αγάπη μεταξύ των ανθρώπων, ένα αίσθημα ευτυχίας στην ανθρώπινη ψυχή.

Στο επίπεδο της πολιτιστικής αξίας, αυτές είναι οι αξίες του ωραίου, που ενσωματώνονται στην τέχνη που αναπαράγει τον έξω κόσμο (καλή τέχνη), αποκαλύπτει τις συνδέσεις μεταξύ των ανθρώπων (ποίηση) και εκφράζει τον εσωτερικό κόσμο ενός ατόμου (μουσική) . Η ομορφιά ως αξία ενσαρκώνει την αισθητική ενότητα του ανθρώπου και του κόσμου. Είναι υπερατομικό, αλλά προϋποθέτει ατομική στάση - αυθόρμητη στο πρώτο επίπεδο και συνειδητή στο δεύτερο.

Το πρόβλημα της αισθητικής αξίας μελετάται διεξοδικά από έναν τέτοιο νεοκαντιανό της σχολής του Baden όπως ο Jonas Kohn. Θέτει το καθήκον να προσδιορίσει τη θέση της αισθητικής περιοχής των αξιών μεταξύ άλλων τύπων αξιών - την «αξία του ευχάριστου», λογικές, ηθικές σφαίρες αξίας, θρησκευτικές.

Ο στοχαστής χωρίζει τις αξίες σε δύο κατηγορίες:

1) η συνεπακόλουθη αξία είναι αυτό που εκτιμούμε ως μέσο για έναν σκοπό.

2) η εντατική αξία είναι αυτή που εκτιμούμε για χάρη της, επομένως ο βαθμός και το μέτρο της αξίας έγκειται αποκλειστικά σε αυτό το ίδιο το πράγμα.

Η αισθητική αξία είναι μια έντονη αξία, και αυτό τη διακρίνει από το χρήσιμο. Αλλά η αλήθεια ως λογική αξία και η καλοσύνη ως ηθική αξία είναι επίσης εντατικές αξίες με αυτή την έννοια. Για να προσδιορίσει τις επακόλουθες διαφορές στον κόσμο των αξιών και να προσδιορίσει τις ιδιαιτερότητες της αισθητικής αξίας, ο ίδιος ο Kohn υποδιαιρεί τις «έντονες αξίες» σε 1) έμφυτη αξία, δηλαδή μια τέτοια αξία που είναι κλειστή στην εσωτερική της έννοια. 2) transgredient value - μια τιμή που υποδηλώνει με τη σημασία της πέρα ​​από τη δική της περιοχή. Το τελευταίο είναι η αξία της αλήθειας και της ηθικής. Η αισθητική αξία είναι έμφυτη, είναι μια έμφυτη-ένταση αξία, ή μια καθαρά εντατική αξία, αφού η εμμενότητα είναι, ως ένα βαθμό, η προσθήκη και η ολοκλήρωση της έντασης.

Θα πρέπει να συμφωνήσει κανείς με τον Kohn ότι οι αισθητικές αξίες μπορούν να συνδυαστούν με άλλες αξίες, διαμορφώνοντας νέες, «ενδιάμεσες αξίες». Έτσι, στις εφαρμοσμένες τέχνες και την αρχιτεκτονική, «η αισθητική αξία δρα μαζί με τη χρησιμότητα». Οι «ενδιάμεσες» αξίες είναι «ηθική ομορφιά», «όμορφη λύση μαθηματικού προβλήματος», «καλλιτεχνική αλήθεια».

Όπως μπορούμε να δούμε, υπάρχει μεγάλος αριθμός εννοιών αισθητικών αξιών. Αυτός ο αξιολογικός πλουραλισμός εκφράζει την πολυπλοκότητα του υπό μελέτη φαινομένου και τονίζει τη συνάφεια του ζητήματος των ιδιαιτεροτήτων των αισθητικών αξιών.

Οι πνευματικές αξίες είναι ένα είδος πνευματικού κεφαλαίου της ανθρωπότητας, συσσωρευμένο επί χιλιετίες, το οποίο όχι μόνο δεν υποτιμάται, αλλά, κατά κανόνα, αυξάνεται. Η φύση των πνευματικών αξιών μελετάται στη θεωρία των αξιών, η οποία καθιερώνει τη σχέση των αξιών με τον κόσμο της πραγματικότητας. ΑΝΘΡΩΠΙΝΗ ζωη. Αφορά πρωτίστως ηθικές και αισθητικές αξίες. Δικαίως θεωρούνται τα υψηλότερα, γιατί από πολλές απόψεις καθορίζουν την ανθρώπινη συμπεριφορά σε άλλα συστήματα αξιών.

Όσον αφορά τις ηθικές αξίες, το κύριο ερώτημα εδώ είναι η σχέση μεταξύ καλού και κακού, η φύση της ευτυχίας και της δικαιοσύνης, η αγάπη και το μίσος, το νόημα της ζωής. Στην ιστορία της ανθρωπότητας υπήρξαν αρκετές διαδοχικές

τις στάσεις του άλλου, που αντικατοπτρίζουν διαφορετικά συστήματα αξιών.

Ένα από τα πιο αρχαία είναι ο ηδονισμός. Ο ηδονισμός επιβεβαιώνει την ηδονή ως το ύψιστο αγαθό της ζωής και το κριτήριο της ανθρώπινης συμπεριφοράς.

Ο ασκητισμός διακηρύσσει την εκούσια απάρνηση των ηδονών και των επιθυμιών, τη λατρεία του πόνου και των στερήσεων, την απόρριψη των ευλογιών της ζωής και των προνομίων ως ιδανικό της ζωής. Αυτή η έννοια εκδηλώθηκε στον Χριστιανισμό, ιδιαίτερα στον μοναχισμό, στις φιλοσοφικές σχολές των Κυνικών.

Ο ωφελιμισμός θεωρεί τη χρησιμότητα ως τη μεγαλύτερη αξία και τη βάση της ηθικής. Σύμφωνα με τον I.Bentam, η έννοια των ηθικών κανόνων και αρχών είναι η προώθηση της μεγαλύτερης ευτυχίας για μεγαλύτερος αριθμόςτων ανθρώπων.

Τον ΧΧ αιώνα. το δόγμα των αξιών συνδέεται με τα ονόματα εξεχόντων στοχαστών και ανθρωπιστών όπως ο F. Schweitzer, ο M. Gandhi, ο B. Russell και άλλοι. Βίαιες κοινωνικές ανατροπές, η εμφάνιση της πιθανότητας αυτοκαταστροφής της ανθρωπότητας, η εμφάνιση των παγκόσμιων προβλημάτων έχουν επιδεινώσει όλα τα παραδοσιακά προβλήματα στο όριο. Τα ανθρώπινα προβλήματα που σχετίζονται με την αναγνώριση της απόλυτης αξίας της ίδιας της ανθρώπινης ζωής και την ανάγκη διατήρησης του περιβάλλοντος της έχουν έρθει στο προσκήνιο.

Η γνωστή έκφραση του F.M. Dostoevsky - "Η ομορφιά θα σώσει τον κόσμο" - πρέπει να κατανοηθεί όχι μεμονωμένα, αλλά στο γενικό πλαίσιο της ανάπτυξης των ιδανικών της ανθρωπότητας. Ο όρος «αισθητική» εμφανίστηκε σε επιστημονική χρήση στα μέσα του 18ου αιώνα, αν και το δόγμα του ωραίου, οι νόμοι της ομορφιάς και της τελειότητας, έχουν τις ρίζες τους στην αρχαιότητα. Η αισθητική στάση νοείται ως ένα ειδικό είδος σύνδεσης μεταξύ υποκειμένου και αντικειμένου, όταν, ανεξάρτητα από το εξωτερικό χρηστικό ενδιαφέρον, ένα άτομο βιώνει βαθιά πνευματική ευχαρίστηση από την ενατένιση της αρμονίας και της τελειότητας.

Οι αισθητικές αξίες μπορούν να δράσουν με τη μορφή φυσικών αντικειμένων, του ίδιου του ατόμου, καθώς και πνευματικών και υλικών αντικειμένων που δημιουργούνται από τον άνθρωπο με τη μορφή έργων τέχνης. Στη θεωρία της αισθητικής, διερευνώνται κατηγορηματικά ζεύγη όπως το όμορφο και το άσχημο, το υπέροχο και το βασικό, το τραγικό και το κωμικό κ.λπ.

5 . Η καλοσύνη και η ομορφιά στην πνευματική εμπειρία του σύγχρονου ανθρώπου

Ο ανθρώπινος κόσμος περιλαμβάνει την ομορφιά, είναι διαισθητικά σαφές σε όλους. Κάθε άνθρωπος είναι ικανός να αγαπήσει, και ως επί το πλείστον αγαπά το όμορφο, το όμορφο, το υπέροχο. Και κατά συνέπεια, σε πολλούς, για να το θέσω ήπια, δεν αρέσει το άσχημο και το βάσιμο. Ωστόσο, μια αφελής-διαισθητική κατανόηση του κόσμου της ομορφιάς δεν αρκεί για έναν σίγουρο προσανατολισμό σε αυτόν. Εδώ, ως συνήθως σε προβληματικές καταστάσεις, υπάρχει ανάγκη για καλή φιλοσοφία. Είναι ενδιαφέρον ότι μέχρι τα μέσα του XVIII αιώνα. οι φιλόσοφοι δεν έδιναν τη δέουσα σημασία στη σφαίρα της ομορφιάς. Οι φιλόσοφοι της αρχαιότητας, του Μεσαίωνα, της Αναγέννησης, θεωρούσαν ανεξάρτητα τμήματα της φιλοσοφίας, για παράδειγμα, τη λογική και την ηθική, αλλά όχι την αισθητική. Γιατί;

Η ελληνική λέξη "αισθητικός" σημαίνει "αφορά τα συναισθήματα". Αλλά το συναίσθημα θεωρήθηκε απλώς μια στιγμή γνωστικής ή πρακτικής δραστηριότητας. Όταν έγινε σαφές ότι ο κόσμος του αισθησιακού-συναισθηματικού δεν έχει μόνο ένα υποδεέστερο, αλλά και ένα ανεξάρτητο νόημα, ήρθε η ώρα για την αισθητική, μέσα στην οποία αξίες όπως η ομορφιά και η ομορφιά λαμβάνουν την κατανόησή τους. Ο ιδρυτής της αισθητικής, Baumgarten, όρισε την ομορφιά ως την τελειότητα του αισθησιακού και την τέχνη ως την ενσάρκωση της ομορφιάς. Η κατηγορία του ωραίου συγκεκριμενοποιεί την κατηγορία της ομορφιάς, επειδή είναι πιο συγκεκριμένη, περιλαμβάνει ρητά στοιχεία σύγκρισης: κάτι δεν είναι απλώς όμορφο, αλλά πολύ όμορφο, όμορφο και όσο το δυνατόν πιο μακριά από το άσχημο, ο αντίποδας του ωραίου. Τονίζοντας την πρωτοτυπία της αισθητικής αντίληψης, ο Καντ τη χαρακτήρισε «σκοπιμότητα χωρίς σκοπό». Η αισθητική κρίση δεν ενδιαφέρεται για κάτι άλλο, έχει αυτοτελή αξία. Στην ανθρώπινη ζωή, η αισθητική αρχή έχει τη δική της ιδιαίτερη θέση.

Πού και πώς υπάρχει η αισθητική; Η απλούστερη απάντηση σε αυτό το ερώτημα είναι η εξής: η αισθητική, και αυτό περιλαμβάνει την ομορφιά, είναι μια ιδιότητα ενός αντικειμένου. Μια τέτοια απάντηση από την άποψη της κατανόησης της συμβολικής, συμβολικής φύσης της αισθητικής είναι μάλλον αφελής. Εντάσσεται στη διαδικασία του συμβολισμού, η αισθητική ενώνει, συνδέει το υποκείμενο με το αντικείμενο, το πνευματικό με το σωματικό. Τόσο οι «φυσιολάτρες» που θεωρούν ότι οι αισθητικές ιδιότητες ανήκουν στα αντικείμενα, όσο και όσοι ανάγουν την αισθητική στις αντιλήψεις του ατόμου, κάνουν λάθος. Το μυστικό της αισθητικής βρίσκεται στην εκπληκτική συνέπεια του «προσώπου» του αντικειμένου με την εσωτερική συναισθηματική-εικονιστική ζωή ενός ανθρώπου. Στην αισθητική του στάση απέναντι στη φύση, στους άλλους και στον εαυτό του, ένα άτομο ελέγχει συνεχώς τα πάντα για την ανθρωπότητα, αναζητώντας αναλογίες που θα τον συνέδεαν οργανικά με το εξωτερικό περιβάλλον.

Ο αξιακός χαρακτήρας της αισθητικής εκδηλώνεται ιδιαίτερα ξεκάθαρα στην αναλογία ομορφιάς και ασχήμιας σε αυτήν, και απέχουν πολύ από το να είναι ισοδύναμοι. Ο άνθρωπος δεν αγωνίζεται για το άσχημο και το κακό, αλλά για το όμορφο και το ανώτερο. Στερήστε τον κόσμο από το αισθητικά θετικό και θα χάσετε πολύ περισσότερο από το ήμισυ της αντίληψης των αισθήσεων σας.

Στην προσπάθεια του να πολλαπλασιαστεί και να αναπτυχθεί ο κόσμος, πρώτα απ' όλα, το ωραίο, το ωραίο, ο άνθρωπος στρέφεται στην τέχνη. Η τέχνη, όπως ήδη σημειώθηκε, είναι η ενσάρκωση της ομορφιάς, η οποία, φυσικά, συνεπάγεται τη δημιουργία της τελευταίας.

Η ομορφιά μπορεί να εκφραστεί με ήχο, φως, ουσία, κίνηση, ρυθμό, ανθρώπινο σώμα, λέξη, σκέψη, συναίσθημα. Όπως γνωρίζετε, υπάρχουν πολλά είδη τέχνης: αρχιτεκτονική, γλυπτική, λογοτεχνία, θέατρο, μουσική, χορογραφία, κινηματογράφος, τσίρκο, εφαρμοσμένες και διακοσμητικές τέχνες. Κάθε φορά που ο φορέας της ομορφιάς είναι κάτι, για παράδειγμα, στην περίπτωση της μουσικής, οι ήχοι που εξάγονται από τους μουσικούς μέσω των μουσικών οργάνων. Τέχνη είναι η ικανότητα να εκφράζεται κανείς με όρους ομορφιάς. Τα συναισθήματα είναι επίσης όμορφα αν οδηγούν σε θετικές εμπειρίες αξίας. Υπάρχουν αμέτρητα παραδείγματα για αυτό, από την αγάπη του Ρωμαίου και της Ιουλιέτας μέχρι το θάρρος ενός πολεμιστή που υπερασπίζεται την πατρίδα του.

Για έναν σχεδιαστή, μηχανικό, τεχνικό, είναι πολύ σημαντικό να δει τις ομοιότητες και τις διαφορές μεταξύ, αφενός, ενός έργου τέχνης και, αφετέρου, ενός τεχνικού αντικειμένου, δηλ. τεχνικό προϊόν ή συσκευή. Το ελληνικό «τεχνείο» σημαίνει τέχνη, δεξιοτεχνία. Τόσο ο καλλιτέχνης όσο και ο τεχνικός είναι ικανοί τεχνίτες, αν και οι στόχοι της δουλειάς και της δημιουργικότητάς τους δεν συμπίπτουν. Ο σκοπός ενός έργου τέχνης είναι να λειτουργεί ως σύμβολο ομορφιάς, ομορφιάς. Ο σκοπός ενός τεχνικού αντικειμένου είναι η χρησιμότητά του για τον άνθρωπο. Δεν μπορεί να αποκλειστεί ότι σε ορισμένες περιπτώσεις ένα τεχνικό προϊόν είναι επίσης έργο τέχνης, αλλά αυτό δεν συμβαίνει πάντα. Ταυτόχρονα, οποιοδήποτε τεχνικό αντικείμενο δεν ξεφεύγει από τον αισθητικό κόσμο. Επιπλέον, όπως αποδείχθηκε, η χρησιμότητα ενός τεχνικού προϊόντος δεν αντιτίθεται στα αισθητικά του πλεονεκτήματα, αλλά σχηματίζει μαζί του μια περίεργη, αλλά επιθυμητή ενότητα για ένα άτομο. Η συνειδητοποίηση αυτού του γεγονότος οδήγησε στην ανάπτυξη του σχεδιασμού, της καλλιτεχνικής κατασκευής αντικειμένων, συμπεριλαμβανομένης της τεχνολογίας. Η λέξη «design» είναι αγγλικής προέλευσης και αποτυπώνει πολύ καλά την ουσία της τεχνικής αισθητικής. Αποτελείται από το ριζικό στέλεχος "zain" (σύμβολο, σύμβολο) και το πρόθεμα "di" (διαχωρισμός). Ο σχεδιαστής πραγματοποιεί διάφορες συμβολικές δραστηριότητες. Μεταφράζει τα δικά του πνευματικός κόσμοςσε τεχνικά σήματα που σχετίζονται με τους χρήστες της τεχνολογίας. Για έναν σχεδιαστή, η τεχνολογία δεν είναι απλά κομμάτια σιδήρου, αλλά σύμβολο ομορφιάς, ομορφιάς. Σύμφωνα με τον Λέων Τολστόι, «Η έννοια της ομορφιάς όχι μόνο δεν συμπίπτει με την καλοσύνη, αλλά είναι αντίθετη με αυτήν, αφού η καλοσύνη συμπίπτει κυρίως με τη νίκη επί των εθισμών, ενώ η ομορφιά είναι η βάση όλων των εθισμών μας». Και, ίσως, συμφωνώ με αυτή τη γνώμη, καθώς η καλοσύνη είναι μια πνευματική κατάσταση ενός ατόμου στην οποία δεν δίνει προσοχή σε κανέναν εξωτερικό παράγοντα που τον επηρεάζει, αλλά καθοδηγείται από το πνεύμα της ψυχής και της καρδιάς. Αυτό μπορεί να εκδηλωθεί στη δουλειά του, και στην επικοινωνία με ανθρώπους, πράξεις και σκέψεις.

Η ομορφιά εκδηλώνεται κυρίως από κάποιους εξωτερικούς παράγοντες. Πάρτε, για παράδειγμα, κορίτσια που ασχολούνται μόνο με τους δικούς τους εμφάνιση, περνούν ώρες σε ινστιτούτα αισθητικής, είναι απασχολημένοι με διάφορες διαδικασίες, αλλά πίσω από αυτή τη «κούκλα» μάσκα είναι άδεια. Δεν υπάρχει τίποτα ενδιαφέρον, η επικοινωνία μαζί τους δεν θα φέρει εντυπώσεις και δεν θα προκαλέσει συναισθήματα. Θα πείτε ότι ένας άνθρωπος πρέπει να είναι όμορφος και στο σώμα και στην ψυχή, και συμφωνώ με αυτό, αλλά σε αυτήν την περίπτωση τα εξωτερικά δεδομένα γίνονται όμορφα και ο εσωτερικός κόσμος απουσιάζει. Αυτή η αντιπαράθεση μεταξύ καλοσύνης και ομορφιάς, κατά τη γνώμη μου, θα είναι πάντα.

6. αισθητική δραστηριότητα. Τγκρίνια

Η πρακτική σφαίρα για την υλοποίηση των αισθητικών ιδεών είναι η αισθητική δραστηριότητα. Η αναπαραγωγή της φυσικής ομορφιάς και αντικειμένων με καθαρά αισθητικές ιδιότητες έθεσε τα θεμέλια για την τέχνη, η οποία παίζει πρωταγωνιστικό ρόλο στη γενικότερη πολιτιστική ανάπτυξη. Η τέχνη είναι πρωτίστως αισθητικό φαινόμενο. Η τέχνη σχετίζεται άμεσα με τη δημιουργία, τη συσσώρευση, τη μεταφορά αξιών, όχι υλικών αξιών, αλλά πνευματικών. Το δόγμα των αξιών - αξιολογία (από άλλα ελληνικά axios - πολύτιμο).

Μαθαίνουμε αιώνιες αξίες από την τέχνη, χάρη στις οποίες η τέχνη εκπαιδεύει την ηθική μας. Προσανατολίζεται και προσανατολίζεται προς αυτά, κατανοεί και φωτίζει την πραγματικότητα σε σχέση με αυτά. Οι καλλιτεχνικές αξίες είναι τέτοια αποτελέσματα καλλιτεχνικής δραστηριότητας που μπορούν να έχουν μια ανυψωτική επίδραση στα συναισθήματα, τη θέληση και το μυαλό των ανθρώπων. Πρόκειται για τέλειες δημιουργίες τέχνης, απαραίτητες στον καθένα μας για μια ολοκληρωμένη πνευματική ύπαρξη, επιτυχημένες δραστηριότητες ανθρώπων σε διάφορους τομείς.

Η επιτυχία στη δημιουργική δραστηριότητα προωθείται από ταλέντο - καλλιτεχνικό ταλέντο. Ωστόσο, η παρουσία του ταλέντου από μόνη της δεν εξασφαλίζει επιτυχία, αφού οι ικανότητες πρέπει να αναπτυχθούν και να πραγματοποιηθούν, κάτι που απαιτεί την εφαρμογή προσπαθειών, αφοσίωση και αποτελεσματικότητα.

Η δημιουργικότητα είναι μια απόρριψη των στερεοτύπων αντίληψης και έκφρασης, η ανακάλυψη νέων πτυχών ήδη γνωστού και κατακτημένου υλικού, είναι μια συνεχής αναζήτηση ιδεών, μέσα εφαρμογής τους στην τέχνη. Η δημιουργική δραστηριότητα, όπως και κάθε άλλη, έχει μια σειρά από στοιχεία: έναν στόχο (πρόθεση), ένα μέσο για την επίτευξη του στόχου και ένα αποτέλεσμα (ένα έργο τέχνης).

Στο πολύ γενική εικόναΟ σκοπός της δημιουργικότητας μπορεί να οριστεί ως η επιθυμία για συνειδητοποίηση της ανάγκης για αυτοέκφραση και για την αισθητική ανάπτυξη του κόσμου. Η διαδικασία υλοποίησης της ιδέας είναι για τον καλλιτέχνη ταυτόχρονα η πιο ενδιαφέρουσα, και η πιο δύσκολη, επίπονη. «Στόχος της δημιουργικότητας είναι το να δίνεις τον εαυτό σου» (Μπ. Πάστερνακ). Η ανάγκη για αυτοέκφραση είναι εγγενής σε όλους. Ο τρόπος αυτοέκφρασης καθορίζεται από το επίπεδο της γενικής πολιτιστικής ανάπτυξης, τον βαθμό χαρισματικότητας (ή απλώς από την παρουσία ικανοτήτων και κλίσεων).

Με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, η τέχνη είναι για τον καλλιτέχνη (ο καλλιτέχνης νοείται εδώ με την ευρεία έννοια της λέξης, δηλαδή ως δημιουργός, συγγραφέας, δημιουργός) ένα μέσο αυτοέκφρασης, αυτοπραγμάτωσης, επικοινωνίας, ηθικής ικανοποίησης, εαυτού -επιβεβαίωση.

συμπέρασμα

Η αισθητική αίσθηση αναπτύχθηκε και βελτιώθηκε, ανοίγοντας όλο και περισσότερες νέες πτυχές της πραγματικότητας για έναν άνθρωπο: το όμορφο και το άσχημο, το κωμικό και το τραγικό, το υπέροχο και το βασικό. Αυτό το συναίσθημα διαφοροποίησε τόσο βαθιά τον πνευματικό κόσμο ενός ανθρώπου που με την πάροδο του χρόνου ακόμη και οι σταθερές αισθητικές ιδέες απέκτησαν τεράστιο αριθμό αποχρώσεων. Έτσι, το αντικειμενικό-κόμικ στο σύστημα της αισθητικής αντίληψης έλαβε τέτοιες αποχρώσεις όπως αίσθηση χιούμορ, σαρκασμός, τραγικοκωμική κ.λπ. βαθιά αισθητική στάση σε αυτό το αγαπημένο του αντικείμενο.

Μια ανεπτυγμένη αισθητική αίσθηση κάνει την προσωπικότητα ενός ατόμου ατομικά μοναδική, διαφοροποιεί τον εσωτερικό του κόσμο και ταυτόχρονα συνδυάζει αρμονικά τις πνευματικές ιδιότητες σε αυτόν. Ένα άτομο με ανεπτυγμένη αισθητική αίσθηση είναι ένα άτομο δημιουργικής ώθησης, δημιουργικής στάσης ζωής.

Είναι χαρακτηριστικό ότι ένα άτομο με ανεπτυγμένες υγιείς αισθητικές ανάγκες για μεγάλο χρονικό διάστημα διατηρεί όχι μόνο την πνευματική, αλλά και τη σωματική νεότητα, αφού η δημιουργική ενεργή ώθηση της ζωής του αυξάνει τον γενικό τόνο της ζωτικής δραστηριότητας του σώματός του. Πράγματι, η συνεχής επικοινωνία με τη φύση, η ικανότητα να βλέπεις και να δημιουργείς ομορφιά στην εργασία, στις σχέσεις μεταξύ των ανθρώπων, στην ικανότητα βαθιάς αίσθησης και κατανόησης της τέχνης - όλα αυτά ενισχύουν τη ζωτικότητα ενός ατόμου, απελευθερώνοντάς τον από πολλά περιττά αρνητικά συναισθήματα και εμπειρίες. Οι ανεπτυγμένες αισθητικές ανάγκες κάνουν τη γενική κουλτούρα των συναισθημάτων υψηλότερη, καθαρίζοντάς τα από χυδαίες, πρωτόγονες και αγενείς εμπειρίες.

Τα αισθητικά συναισθήματα, που βελτιώνουν την ανθρωπιά, βελτιώνουν κάθε άτομο ξεχωριστά. Χάρη σε αυτά, ο πνευματικός κόσμος κάθε ανθρώπου γίνεται βαθιά ατομικός και μοναδικός. Δωρεάν και ευρεία ανάπτυξηΟι αισθητικές ανάγκες ενός ατόμου δημιουργούν σε αυτόν μόνο την εγγενή του αποθήκη συναισθηματικής ζωής, κάνουν τη ζωή του ενδιαφέρουσα και πολύχρωμη, του δίνει μια αντικειμενικά προκύπτουσα αίσθηση της πρωτοτυπίας και της κοινωνικής του σημασίας.

Βιβλιογραφία

1. Lavrinenko V.N., Ratnikova V.T. "Φιλοσοφία". - Μ.: Unity-Dana, 2004.

2. Spirin A.G. "Φιλοσοφία". - Μ.: Γαρδαρίκη, 2004.

3. Rychkov A.K. "Φιλοσοφία". - Μ.: Βλάδος, 2004.

4. Guchilov N.F. "Φιλοσοφία". - Αγία Πετρούπολη: Peter, 2009.

5. Kokhanovsky V.P. "Φιλοσοφία". - Rostov-on-Don: Phoenix, 2005.

6. Gubin V.D. "Φιλοσοφία". - Μ.: Prospekt, 2007.

7. Alekseev P.V., A.V. Panin «Φιλοσοφία». - Προοπτική, 2008.

8. Razin A.V. "Φιλοσοφία". - Μ.: Γαρδαρίκη, 2006.

Φιλοξενείται στο Allbest.ru

Παρόμοια Έγγραφα

Χαρακτηριστικά των ηθικών αξιών και ο ρόλος τους στην ανθρώπινη ζωή. Η σχέση ελευθερίας και ευθύνης. Η ουσία της αισθητικής είναι μια μετακατηγορία και η ευρύτερη και πιο θεμελιώδης κατηγορία αισθητικής. Η καλοσύνη και η ομορφιά στην πνευματική εμπειρία του σύγχρονου ανθρώπου.

δοκιμή, προστέθηκε στις 10/05/2010


Οι αισθητικές κατηγορίες ως εργαλείο γνωσιακής και πρακτικής ανάπτυξης της πραγματικότητας, ο διαχωρισμός τους σε ωραίο και άσχημο. χαρακτηριστικά του υψηλού και του χαμηλού. Κατηγορίες τραγικών και κωμικών. Ανάλυση της αισθητικής κατηγορίας «τρομερός».

δοκιμή, προστέθηκε στις 20/12/2012


Αισθητική σκέψη της αρχαιότητας. Έννοιες δυτικών στοχαστών του Μεσαίωνα, Αναγέννηση, Κλασικισμός. Αισθητική σκέψη του Διαφωτισμού. Οι κύριες τάσεις στην ανάπτυξη της αισθητικής σκέψης στις χώρες της Δυτικής Ευρώπης, σε Αρχαία Ρωσία. Ρωσικός κλασικισμός.

περίληψη, προστέθηκε 26/06/2008


Γνωριμία με τις δημιουργικές δυνατότητες της ανθρώπινης εργασίας. Χαρακτηρισμός ατόμου και κοινωνικές σχέσεις ως κύρια αντικείμενα αισθητικής δραστηριότητας. Βασικά πρότυπα εμφάνισης της τέχνης και στάδια ανάπτυξής της. Η γέννηση των αισθητικών ιδανικών.

περίληψη, προστέθηκε 20/10/2010


Αξιακή στάση από την πλευρά του υποκειμένου. Ταξινόμηση των αξιών ως φαινόμενα ύπαρξης. Κοινωνικές προϋποθέσεις των αξιακών προσανατολισμών, η φύση των αξιακών προσανατολισμών. αισθητικές κατηγορίες. Fine (ομορφιά), ως αισθητική κατηγορία και αξία.

περίληψη, προστέθηκε 23/05/2008


Αισθητικές σχέσεις με την πραγματικότητα και οι κύριες κατηγορίες αισθητικής. Η ουσία του ελεύθερου χρόνου και οι κοινωνικές του δυνατότητες. Λειτουργίες ψυχαγωγικών δραστηριοτήτων στην ανθρώπινη ζωή. Ανάπτυξη ηθικών και αισθητικών ιδιοτήτων στη θεατρική ομάδα.

θητεία, προστέθηκε 01/07/2014


Η φύση της καθημερινής και επαγγελματικής αισθητικής συνείδησης. Η διαφορά στις αισθητικές εκτιμήσεις και τα γούστα των ατόμων. Η έννοια του άσχημου και του ωραίου. Αισθητικές κατηγορίες: όμορφος-άσχημος, τραγικός-κωμικός, υπέροχος-χαμηλός.

περίληψη, προστέθηκε 13/07/2013


Η ιστορία της διαμόρφωσης και ανάπτυξης της αισθητικής ως τάσης στη φιλοσοφία, η θέση και η σημασία της στα έργα των αρχαίων στοχαστών. Χαρακτηριστικά των αισθητικών απόψεων του Πυθαγόρα. Συγκριτικά χαρακτηριστικάιδέες του Πλάτωνα και του Αριστοτέλη, οι ομοιότητες και οι διαφορές τους.

περίληψη, προστέθηκε 28/10/2009


Αισθητικές διδασκαλίες διαφόρων φιλοσοφικών σχολών. Διαισθητική αισθητική των Bergson, Croce, Reid. Αισθητικές συλλογές και μελέτες του V. Benjamin. Μελέτη του προβλήματος της αισθητικής μεταμόρφωσης της φόρμας στην τέχνη του 20ου αιώνα με βάση τις ιδέες του V. Benjamin.

θητεία, προστέθηκε 02/02/2016


Τέλεια ομορφιά. Κατεστραμμένη ομορφιά. Η ομορφιά δεν είναι αυτοεκτίμηση. Εξάρτηση της αντίληψης της ομορφιάς και της ασχήμιας από τα χαρακτηριστικά της προσωπικότητας. Η ομορφιά δεν είναι στόχος, αλλά συνέπεια. Απόψεις του εξέχοντος Ρώσου φιλοσόφου N. Lossky. Ερωτήσεις για το όμορφο και το άσχημο.

Facebook

Κελάδημα

Σε επαφή με

Συμμαθητές

Google+